Los hermanos Coen y la genialidad cinematográfica

La aparición del primer trailer de la nueva pelicula de los Coen, True Crit, remake del clásico protagonizado por John Wayne, me ha hecho pensar acerca del talento y la grandeza visual de estos dos personajes que realizan sus films a cuatro manos.

Joel y Ethan Coen son de esa generación de cineastas cinéfilos que pasaron su infancia en las salas de proyección, al igual que su coetáneo Quentin Tarantino. Esto también se nota en sus primeros trabajos en el cine ya que Ethan trabajo como montador en películas de Sam Raimi como Posesión Infernal.

Su estilo tan personal y tragicómico, comenzó a fraguarse con su primera pelicula Sangre Fácil, película independiente de bajo presupuesto que juega con los tópicos del genero de gansters, con una estética muy oscura.

Su siguiente película Arizona Baby es una comedia atrevida y polémica. Los Coen cuentan una disparatada historia sobre un hombre que debido a que el y su mujer no pude tener hijos se ve obligado a robarle los hijos recién nacidos a un rico y millonario propietario de unos almacenes.

Su filmografía evoluciona con gran pulso gracias a la creación de una magnifica película de gansters, Muerte entre las flores. Es una pelicula sobre las luchas entre bandas italianas e irlandesas durante la ley seca. Los personajes aquí están bien interpretados y caracterizados. Mezclando en la realización clasicismo y su humor negro mas personal.

Para mi su filmografía puede dividirse en dos categorías, la comedia absurda y estrambótica representada principalmente por El gran Lebowski y Arizona Baby. En el otro lado tendríamos el reflejos mas clásico y oscuro de la América profunda, representada por Fargo y No es país para viejos (película con la que finalmente lograron el oscar como mejores directores).

En definitiva los Coen se caracterizan por basarse en guiones aparentemente poco originales, pero con la premisa de que si algo puede salir mal, saldrá mal. Ya sea perdiendo el dinero que se debe devolver a unos secuestradores en El gran Lebowski o perdiendo a tus propios hijos en Arizona Baby. Los Coen son capaces de hacernos ver como héroes a personajes que realmente tienen poco de heroes, asi también destacar la creación de personajes estranboticos en todas sus películas. No menos importante es su cuidada dirección artística así como su fotografía que alcanza la cumbre del preciosismo estético con El hombre que nunca estuvo allí.

P.D Aqui os dejo el link para ver los dos trailers de lo ultimo de los Coen: http://www.blogdecine.com/trailers/true-grit-trailer.

Flash Fall

Os dejo este corto en el que espero haber mejorado algo en la técnica y la estructura del guión. Espero que os guste.

300

La historia del rey Leonidas y los 300 espartanos que combatieron hasta la muerte en el angosto paso de las Termo pilas a un ejercito de aproximadamente un millón de persas durante las guerras de la Antigüedad entre griegos y persas. Fue retratada con una poderosa estética por Frank Miller en el comic 300.

Unos años mas tarde cuando se estaba preparando la adaptacion cinematográfica de 300 los productores eligieron como director a un joven Zack Snyder que tan solo habia dirigido un pelicula Amanecer de los muertos, un remake del clásico de zombis de George A. Romero. Snyder siendo un director con escasa experiencia en cine creo un universo propio haciendo que el comic y el cine se uniesen creando un bestia perfecta con un estilo y estética propia sellos de la casa Snyder.

Las escenas de acción de 300 demuestran la presencia tras las cámaras de un verdadero autor del cine de acción moderno. Su gusto por la mezcla de cámara rápida y lenta en los combates, por ejemplo cuando los persas son atravesados con un rápido movimiento de lanza, la cámara se ralentiza viendo como la sangre es limpiada por el movimiento de la lanza.

La música de rock empleada en las secuencias de acción nos permite introducirnos en las secuencias de manera que podemos emocionarnos con las secuencias de batalla de una manera que pocos films de acción consiguen.

300 no solo cuenta con unos efectos especiales magníficos y con un manejo de la iluminación impactante. También posee unos diálogos únicos y como telón de fondo la lucha por la libertad frente a la tiranía y la opresión.

El Orfanato

El Orfanato es probablemente una de las mejores películas españolas de los últimos años, yo diría que también es una de las mejores películas de terror jamás hechas.

La película retrata la historia de Laura una mujer que decide regresar con su marido y su hijo Simón al orfanato donde se crió con el objetivo de fundar una residencia para niños discapacitados. Sin embargo extraños sucesos relacionados con los amigos imaginarios de Simón comienzan a torcer los planes de Laura, hasta que este desaparece. Para descubrir donde esta su hijo Laura deberá descubrir lo que sucedió en ese orfanato hace veinte años y que fue de sus amigos huérfanos.

J.A. Bayona y su equipo técnico debutaron con esta película de genero, siendo la mas taquillera de 2007. Bayona nos sumerge en el universo de El orfanato con una estética clásica influenciada por el Polanski de Repulsión. El orfanato en el que sucede la acción se convierte en un personaje mas mediante el uso de inquietantes planos de las habitaciones y una elegante fotografía de la mano de Oscar Faura. El magistral guión escrito por Sergio G. Sánchez, es capaz de hacernos sentir pavor a la vez que conmovernos con la historia de una mujer que solo quiere recuperar a su hijo. El trabajo interpretativo de Belén Rueda es magistral por la manera en que nos transmite las emociones de Laura y por como podemos realizar el mismo viaje de la protagonista compartiendo sus dudas y sentimientos.

Contamos también con una banda sonora magistral compuesta por el maestro Fernando Velasco para guiarnos por el particular universo de El Orfanato. El movimiento de la cámara en esta película es elegante y fluido, con guiños a Brian De Palma y a Hichtcock. Bayona de muestra pulso y genialidad en su debut cinematográfico.
Y es que El Orfanato es puro cine.

Ana Sullivan y El pequeño salvaje

El milagro de Ana Sullivan de Arthur Penn y El pequeño salvaje de Truffaut son películas que hablan de una situación parecida aunque muy distintas en su planteamiento. Las dos películas tratan de el intento de introducir a una persona incapaz de comprender que hay un mundo, entorno social y unas normas de conducta mas halla de el mismo.

El pequeño salvaje de Truffaut nos narra la historia de un Doctor (Francois Truffaut) que trata educar a un niño salvaje de trece años criado en el bosque. Comienza a intentar enseñarle a hablar y a hacerle comprender las normas de conducta y los modales. Básicamente a reeducarlo desde cero. Pero finalmente se da cuenta de que el entorno en el que se ha criado el niño, puede mas que sus intentos por enséñale a ser una persona normal consciente de las normas que rigen la sociedad.

El milagro de Ana Sullivan trata la historia de una familia en el sur de Estados Unidos cuya hija (Helen) nació ciega, sorda y muda. Lo que hace que sea incapaz de comprender que mas haya de sus instintos básicos hay todo un mundo frente a ella.
La familia incapaz de educarla correctamente deciden llamar a una institutriz (Ana) para que trate de enseñarla. En el proceso Ana se da cuenta de que aprecia a Helen y desea enséñale que hay todo un mundo esperándola, pero los padres solo se conforman con que la niña sea dócil y se comporte.

En mi opinión, aunque ambas películas están basadas en hechos reales. El pequeño salvaje nos guía por la historia con una voz en off y tal vez Truffaut al venir de la Nouvelle vauge desea mostrar al espectador la realidad como si realmente estuviese filmando un experimento científico. Por el contrario El milagro de Ana Sullivan puede calificarse de película sobreactuada, con un compendio de clichés de las películas Hollywoodienses. Con la utilización de grandes bandas sonaran con la absurda intención de conmover al publico en una historia predecible y repetitiva. Puede que esta utilización tan torpe de los recursos cinematográficos se deba a la formacion teatral de el director Arthur Penn (fallecido recientemente).

Todos dicen I love you

Los musicales clásicos del cine americano son esa clase de películas que vemos con una sonrisa y en mi caso cuando termino de ver películas como Cantando bajo la lluvia no puedo decir otra cosa salvo que grande es el cine. Sin duda este es el espíritu de Todos dicen I love you. ¿Y quien mejor que Woody Allen para hacer un homenaje al espíritu de este estilo de cine? Scorssese lo intento con New York, New York, pero el resultado es bastante decepcionante. Sin embargo con el estilo Allen de comedia romántica inteligente y optimista, consigue crear unos números musicales que encajan a la perfección.

La pelicula trata la historia de una familia entre los que se encuentra una pareja a punto de casarse (Edward Norton y Drew Barrimore), el padre de familia que vive en Europa (Allen) y su hija capaz de estar apunto de casarse con un italiano (al que solo conoce desde hace seis meses), y dos horas mas tarde estar en el aeropuerto y asegurar que el gran amor de su vida es un universitario que ha conocido allí. En este cuadro de personajes Allen nos introduce en su comedia anual, con enredos de parejas y nuevas conquistas.

También observamos otro tema recurrente en el cine de Allen, el amor un hombre mayor por una mujer mas joven. En este caso Allen y Julia Roberts a la que conoce en Venecia.

Una de las mejores escenas de la película sucede durante la compra del anillo de compromiso por parte de Norton, en la que se introduce un estrafalario numero musical y mientras todos bailan como profesionales, Norton extrañado por la situación trata de escapar del baile. Por lo que nos evita el bochornoso numero de actor que trata de hacerse el bailarín. Sin embargo esto no significa que Norton no este perfecto en su papel como siempre hace.

Allen demuestra cambien su capacidad como director de actores al guiarnos con esos planos secuencia por la escena, que nos permiten centrarnos en el gran trabajo actoral.
Es también perfecta la interpretación que realiza Tim Roth de un expresidiario, el cual enamora a Drew Barrimore para mas tarde dejarla en la cuneta mientras escapa de la policía.

En resumen, espero que Allen continué haciendo sus brillantes, optimistas e inteligentes comedias sobre el amor por muchos años.

Buried (Enterrado)

Acabo de ver Buried, según creo la pelicula española con mas copias vendidas en todo el mundo (alrededor de 4000). Es interesante la sensación mientras ves una pelicula y piensas que se convertirá esta en una obra maestra. En mi opinión Buried lo consigue y con buena nota, nos demuestra que para hacer películas de calidad a la par que entretenidas no se necesitan grandes escenarios y efectos especiales. Basta con una buena historia y en este caso 7 modelos diferentes de ataúdes para realizar los travelling y planos imposibles que suceden dentro del ataúd.

La película narra la historia de Paul Conroy (Ryan Reynolds) un transportista de camiones en Irak que es secuestrado y se despierta enterrado en un ataúd bajo tierra, en esta situación Paul deberá sobrevivir encontrando consigo en el ataúd tan solo de un móvil, una linterna y un zippo. La película comienza con la pantalla en negro y solo oímos la respiración de Paul, desde aquí comenzamos a empatizar con el protagonista y a contemplar sus desesperados intentos por contactar con alguien que pueda ayudarle a través del teléfono móvil.

A pesar de que la película se desarrolle en Irak no me transmite la sensación de crítica política hacia la guerra, aunque refleje la intrincada burocracia del sistema no pretende aleccionarnos tan solo identificarnos con Paul y pensar que haríamos nosotros en su lugar.

El director Rodrigo Cortes nos introduce en una película experimental a la altura del Hitchcock de Náufragos (pelicula que se desarrolla en una barca todo el tiempo) y La soga (rodada en un plano secuencia). Son muy meritorios los planos imposibles dentro del ataúd y la profundidad que es capaz de crear sin salir de el. Y lo que tiene aún mas merito, es capaz de contarnos la historia correctamente y sin momentos aburridos en la narración sin ayudarse flashbacks para sacarnos del ataúd. También destacar la labor del brillante director de fotografía Eduard Grau que ya demostró su valía hace un año con la película de Tom Ford `A Single Man´, me encanta como es capaz de hacer un iluminar el ataúd valiéndose tan solo de el zippo, el móvil, la linterna y aun así ser capaz de contar una historia mediante la luz.

Finalmente debo decir que me sorprende que ningún director se hubiese atrevido a realizar una película de este tono. Solo puedo encontrar su referente en Tarantino cuando en Kill Bill Vol. 2 Uma Thurman esta enterrada viva en el cementerio, pero solo son unos minutos y se vale de un flash back para sacarnos de ahí. También de Tarantino se me ocurre el capitulo que escribió y dirigió para CSI: Las Vegas llamado Grave Danger. Pero nadie se había atrevido a hacerlo como Rodrigo Cortes. Supongo que Hitchcock estaría orgulloso de su fiel discípulo.