Sucker Punch

Tras el gran éxito de 300 y la tímida recepción de Watchmen por parte del público la Warner Bros parece haber dado carta blanca a Zack Snyder para hacer la película que quería, dándole así un descanso a la que será prueba de fuego adaptando a la pantalla el comic de Superman.

Por lo que respecta a Sucker Punch nos encontramos ante un extraño producto de difícil clasificación en el cual podríamos decir que se encuentra el paraíso friki. La historia transcurre en un psiquiátrico de los años cincuenta en el que las chicas allí recluidas descubren que la única forma que tienen de escapar de él es mediante la imaginación, con cada fantasía superada (que se realiza durante una danza que nunca vemos) van consiguiendo un objeto que les servirá para huir del psiquiátrico. Con cada fantasía Snyder nos sumerge junto con sus chicas en secuencias de acción impactantes que incluyen soldados alemanes no muertos, dragones, robots y strippers. Esta fórmula de danza-fantasía, se repite en exceso por lo que crea un guion repetitivo y simplón, que es casi una excusa para ir introduciendo las distintas secuencias de acción, eso sí filmadas con un estilo magistral marca de la casa Snyder.

La estética de los distintos escenarios está muy conseguida, aunque a mí lo que más me fascino fue el estilo con el que Snyder y su equipo ambientan el psiquiátrico y la escena inicial en la que nos cuenta la historia de BabyDoll (protagonista del film), solo con imágenes acompañada de una increíble banda sonora, con un estilo de planos y montaje que siempre me ha parecido el punto fuerte del director de 300.

En definitiva considero que Sucker Punch es una película honesta, que va a lo que va, hecha sin pretensiones y con un cierto estilo mezcla de videojuego y videoclip. Erotismo, acción, el pastiche y lo pulp se mezclan en Sucker Punch para crear la obra más personal de Zack Snyder.

Babel.

Con Babel finaliza la trilogía del dolor que Iñiarritú y su guionista Guillermo Arriaga iniciaron hace diez años con su opera prima Amores perros, a la que seguiría la portentosa 21 gramos. Al igual que en sus dos anteriores películas Iñiarritú continua explorando el lado más crudo y desgarrador de la vida, con la casualidad como principal causa de esta, subrayando el hecho de que esta misma casualidad puede acabar afectándote a ti y a los que te rodean, aunque en un principio esa desgracia que por casualidad causamos nos parezca tan lejana y distante.

En Babel Iñiarritú traspasa su estilo a cuatro historias repartidas por todo el globo (Japón, México y Marruecos), que fruto de la casualidad y gracias a la fina pluma de Arriaga se unen creando una simetría perfecta. Al guion de Arriaga Iñiarritú le dota de su potencia y visual creando unas atmosferas terribles, crudas y conmovedoras, a esto hay que sumarle una estética redondeada por la fotografía de Rodrigo Prieto y la belleza de la banda sonora de Gustavo Santaolalla.

Considero a Babel una fábula perfecta sobre la incomunicación, el tratar de ser escuchado para ser ignorado por aquellos de los que necesitabas ayuda, y debido a este rechazo te acabas encerrando en ti mismo sin esperanza alguna, para esperar el final en soledad.

En esta que podría considerarse de su corta filmografía su ópera, Iñiarritú y Arriaga conmueven, sobrecogen y elevan el concepto de cine hasta cotas imposibles de describir.

El mundo según Barney

Al ver el mundo según Barney creo que podríamos clasificarla como una de esas películas de personaje, de actor (en este caso Giamatti) en la que se le ofrece una joya de papel con el cual puede demostrar todo su talento y capacidad interpretativas, aunque estas ventajas también van ir acompañadas de la presión y la dificultad (tanto emocional y física) para poder dedicarte en cuerpo y alma a tu personaje. Giamatti consigue aprovechar el papel que se le ofrece e interpretarlo con una credibilidad e inteligencia muy fuertes.

En la cinta Giamatti interpreta Barney, un tipo normal con el que vamos recorriendo su peculiar vida, sus diferentes mujeres, nos sirven como contrapunto para poder comprender el estado emocional de Barney en cada etapa de su vida. Su estilo cómico resulta admirable, sobre gracias un excelente reparto encabezado por Paul Giamatti y Dustin Hoffman, este último es capaz de llenar la pantalla con su interpretación del padre de Barney. La película tiene algunos momentos cómicos, aunque su estilo va más allá de los meros y banales gags.

La primera parte del film contiene un estilo más desenfadado y optimista, al tratarse de su juventud, poco a poco la cinta va evolucionando olvidando la comedia que habíamos encontrado en un principio, para dar paso a un estilo más comprometido y estable. La parte final me resulta excesivamente larga y con un sentido emocional que no conseguiría nada de no ser por la conmovedora interpretación de Giamatti en la última etapa de la vida de Barney.

Me resulta curioso que Giamatti, siendo un excelente secundario, consiga en esta película sostener el peso de la cinta con una increíble solidez ya que todo, hasta la cuidada aunque sobria y en ocasiones invisible dirección de Richard J. Lewis gira en torno a él.

Cuando La academia aposto por el clasicismo.

Este domingo llego la esperada noche del cine en el teatro Kodak de Los Ángeles. La ceremonia (una de las más sosas que he visto nunca) trascurrió sin muchas sorpresas, nada espectacular y memorable que mencionar, a excepción el momento final en el que Steven Spielberg apareció para entregar la codiciada estatuilla a la mejor película que fue a parar a manos de la irreprochable y elegante El discurso del rey.

Los premios técnicos fueron a parar como se esperaba al espectacular film de Christopher Nolan Inception (cuatro merecidas estatuillas se llevó a casa, entre las que destacan fotografía y efectos visuales). Personalmente eche de menos a Nolan entre los nominados a mejor director, ya que en esta categoría había algunos que no se merecían esa nominación.

En el apartado de interpretaciones no tengo nada que objetar a los galardonados con la estatuilla (soberbios secundarios Christian Bale y Melissa Leo en The fighter). Sin sorpresas en el apartado de mejor actor, ya que el favorito Colin Firth recogió su estatuilla como mejor actor por su maravillosa interpretación del monarca tartamudo Jorge VI en El discurso del rey. Los competidores de Firth eran también dignos de mención en sus distintos papeles, por ejemplo Javier Bardem en su conmovedor papel en Biutiful de González Iñarritú (el cual se fue sin el Oscar a mejor película extranjera), o un Jeff Bridges en estado de gracia por su papel en el Valor de ley de los hermanos Coen. Natalie Portman (brillante en su papel de Cisne Negro) gano a Annette Benning en el apartado de mejor actriz (quinta nominación en la que Benning no consigue el premio).

La película de David Fincher La red social se llevó un buen número de premios como mejor guion adaptado o mejor banda sonora. Mi único comentario de reproche es en el apartado de mejor director: La academia decidió premiar al británico Tom Hooper por su sutil y en ocasiones teatral (en el buen sentido de la palabra) trabajo en El discurso del rey. En mi opinión David Fincher con su critico trabajo del creador de Facebook Mark Zuckerberg era más merecedor que Hooper de la estatuilla ya que Fincher consigue dotar al guion de Aaron Sorkin (a priori un tema que parece más bien denso y falto de interés) de un ritmo y una narrativa visual increíbles y al fin y al cabo ¿no consiste en eso la dirección cinematográfica?

En definitiva creo que los de este año han sido unos Oscar muy equilibrados y con una clara triunfadora (El discurso de el rey) que se merece la estatuilla. No me siento como en los dos años anteriores en las que las triunfadoras eran películas menores y vacias de interés (Slumdog Millionaire y En tierra hostil).

Black Swan (Cisne Negro)

Nina (Natalie Portman) es una prodigiosa bailarina que forma parte de una compañía de ballet en Nueva York, vive completamente absorbida por la danza. Los nervios ante el inminente dia del estreno de El lago de los cisnes de Tchaikovsky, ballet en el que interpreta a dos personajes, el cisne blanco y su rival el cisne negro. Esta presión por el estreno reavivara las tensiones entre Nina y su compañera Lily (Mila Kunis), por lo que Nina se acabara consumiendo en sus propias obsesiones y paranoias iniciando un viaje del que no regresara.

Darren Aronofsky cuenta esta historia de terror psicológico con el ballet como telón de fondo. Al ver la película no podemos evitar observar similitudes con su anterior película, El luchador en la que retrataba el mundo cruel y despiadado de la lucha libre con un prodigioso Mickey Rourke. Ambas películas tienen como protagonistas a personajes que dedican su físico al completo para crear arte, uno lo hace en las capas mas bajas de la sociedad, y la otra en las más altas y poderosas.

En Cisne Negro Aronofsky filma con elegancia las secuencias de preparación para el ballet en las que Nina con un aire casi religioso se prepara para el escenario. Este thriller psicológico tiene como clara inspiración al Polansky de Repulsión (la locura de una joven que se consume en si misma) y de El quimérico inquilino (alguien que ve enemigos por todas partes, donde no los hay). A muchos Cisne Negro les parecerá una obra maestra del director de Réquiem por un sueño (ya que es una de las grandes favoritas en los Oscars de este año) pero lo cierto es que es simple y llanamente un película irreprochable, el la que debido a su cuidada y milimetrada perfección no puedes hallar ningún fallo.

Lo mejor de la película además del poderoso sentido visual de Aronofsky así como su elegante estética es la interpretación de una brillante Natalie Portman y del resto del reparto: Mila Kunis, Vincent Cassel y Wynona Ryder. Lo pero es su intento de conmoverte y de no conseguirlo (cosa que Aronofsky si consiguió en El luchador) hace que a ratos la película deje de interesarme, y es que eso es lo peor que te puede pasar con un thriller, que te preguntes que va a pasar sin interés. Por todo ello considero que la película podría a ver sido una obra maestra, por las herramientas de las que dispone (sentido visual grandioso e interpretaciones en estado de gracia), pero que por su pretensión se queda solo en una película elegante y compleja en la que no puedes hallar ningún fallo. Una pena que tanta elegancia no este acompañada de un final a su altura.

Valor de ley. Inquietante, gélida y conmovedora

Valor de Ley (True Grit) de Joel y Ethan Coen es una adaptación de la novela de Charles Portis y un remake de la adaptación que hizo para el cine Henry Hathaway, protagonizada por el inmortal John Wayne. Prefiero decir adaptación antes que remake porque el film de los Coen sigue más de cerca la novela que la película de Hathaway. La película de Hathaway es demasiado “bonita”, con demasiada luminosidad para la historia de venganza que se está contando.

La película se ambienta en 1870, con el asesinato a sangre fría de un hombre a la salida de bar en un pueblo. Su hija Mattie Ross (Hailee Steinfeld) marcha hacia el pueblo para enterrar a su padre y contratar al alguacil Cogburn (Jeff Bridges) para que le ayude a dar caza a Tom Chaney (Josh Brolin), el hombre que borracho asesino al padre de Mattie y salió huyendo hacia territorio indio. Mattie y Cogburn deberán emprender la marcha para capturar a Chaney ayudados por el ranger de Texas LaBoeuf (Matt Damon). En este viaje tendrán que hacer frente a las adversidades en un territorio hostil para poder encontrar a Chaney.

El discurso de la película me parece admirable, los Coen transforman con su sello personal una historia de venganza y justicia en algo fantasmagórico y sombrio. En el inicio del viaje en las frías llanuras del oeste se encuentran con intrigantes personajes que parecen sacados de los sueños más extraños. Con la evolución de la película nos encontramos ante un estupendo film que goza de un arte y un estilo únicos para lo que para algunos puristas parecería un vulgar remake.

La película tiene momentos de humor al más puro estilo de los hermanos Coen, como cuando en el pueblo van a ahorcar a tres ladrones, dos de ellos blancos a los que antes de ponerles las bolsas negras en la cabeza les dejan terminar sus discursos, al tercero (un indio) se la ponen cuando apenas ha pronunciado tres palabras.

La oscura fotografía de Roger Deakins es una obra de arte que habla por sí sola, dando ese toque oscuro e inquietante que necesita la película. Me parece que este año Deakins se merece el Oscar a la mejor fotografía. La música de Carter Burwell es maravillosa y conmovedora, cercana a la perfección que consiguió con la banda sonora de Muerte entre las flores, a la que considero una de las mejores bandas sonoras del cine. Jeff Bridges esta impecable en su papel de alguacil borracho, aunque no tiene la presencia física de Wayne es admirable la forma en la que da vida al personaje. La niña también me parece un descubrimiento de los Coen muy arriesgado, pero que les ha salido muy bien.

Considero a este Valor de Ley mejor que el original, por su estilo inquietante, oscuro, pero sobretodo conmovedor. Además la original salvo por John Wayne y la escena en la que carga a caballo contra cuatro bandidos con los revólveres en la mano y las riendas en la boca (escena que se reinventa bastante bien en esta nueva versión), me parece que posee un discurso torpe, ya que a veces creo estar viendo un episodio de Bonanza con todo ese preciosismo y una banda sonora mal empleada. En definitiva creo que con películas como Valor de Ley (2010) y El Tren de las 3:10 (2008), podemos decir tranquilos que el western sigue vivo.

Primos. El buen rollo de Daniel Sánchez Arévalo

Pocas películas me han hecho salir del cine con tanto optimismo como el tercer largo de Sánchez Arévalo, una comedia a ratos gamberra, a ratos romántica, pero ante todo una comedia.

En Primos, Daniel Sánchez Arévalo parte de uno de sus cortometrajes (Uno de los primos) como ya hiciera con su opera prima Azuloscurocasinegro. Primos cuenta la historia de Diego (Quim Gutiérrez) un joven al que su novia ha dejado plantado en el altar. Esta triste por lo que sus primos Julián (Raúl Arévalo) y Miguel (Adrián Lastra) deciden animarle llevándoselo a las fiestas del pueblo donde veraneaban en su infancia. Un fin de semana de juerga donde podrá reencontrarse con Martina el amor de Diego durante su adolescencia.

Con paso decidido la película camina ofreciéndonos momentos brillantes como el monologo inicial de Diego en el altar, explicando su situación o la escena en la que los tres primos bailan en las fiestas del pueblo la canción de los Back Street Boys `As long as you love me´, son algunos de los mejores momentos de la película. La película también tiene cierto aire nostálgico, la vuelta al pueblo de juventud representa ese aire de lo fácil que era todo antes, como cuando uno de los primos dice: “Con lo fácil que era el amor antes, llegabas al pueblo en verano, te enamorabas y ya está”. Ante todo me encanta esa confusión que siento al ver la cinta, su capacidad de sorprenderme y conmoverme que es obviamente lo que le pido a toda buena comedia.

Su cuidada producción no es para menos como en todo el cine de Sánchez Arévalo, esto me ha sorprendido gratamente ya que al ser su primer asalto en la comedia me esperaba algo más tosco y descuidado. El elenco actoral es probablemente lo mejor, con unos fabulosos Quim Gutiérrez, Raúl Arévalo (él se me confirma como uno de los grandes de su generación) y ese fabuloso actor por el que cada vez siento mayor admiración, el camaleónico Antonio de la Torre.

Con Primos, Sánchez Arévalo demuestra tener también un gran talento para la comedia además de para el drama en el cual se ha formado como cineasta. A los que puedan estar interesados en verla yo les diría que no fuesen a verla con demasiadas pretensiones, sino con la intención de divertirse y dejarse sorprender por una estupenda película, aunque Primos no es una comedia que reinvente el género como Annie Hall (Woody Allen 1977) más bien es una buena comedia bien hecha, optimista, divertida, pero por encima de todo es una comedia en la que respira buen rollo y buen cine.