V de Vendetta. Cine con mayúsculas

En un futuro no muy lejano Gran Bretaña está sumida en el terror y el miedo creado por una dictadura totalitaria. Una noche tras el toque de queda nocturno la joven Evey (Natalie Portman) es rescatada del ataque sufrido a manos de los Dedos (la policía secreta del régimen) por V (Hugo Weaving) un justiciero enmascarado que trata de acabar con el régimen para liberar al país de la opresión y para vengarse por lo que le hicieron en el pasado. Según la filosofía de V para liberar al pueblo de la tiranía hay que despertarlo de su falsa armonía. La manera de hacerlo es volar el edificio del Parlamento como símbolo de que las cosas pueden cambiar.

Entonces se nos plantean las siguientes preguntas: ¿La manera más efectiva de acabar con la violencia y opresión es engendrando más violencia? ¿La violencia al servicio de la humanidad está justificada? ¿Unos pocos deben morir como daños colaterales para salvar a muchos?

Estas preguntas hicieron que la adaptación al cine del comic V de Vendetta fuese polémica y controvertida. Creo que esta película no debe ser tomada al pie de la letra como un modelo político, ni filosófico. Prefiero apreciar la grandeza de V en su calidad de buen cine de acción, más que en una película política con todas las consecuencias que eso conlleva. Aunque no me gustaría restar importancia al trasfondo político de la película ya que eso le hace tener personalidad y convertirla en una película llena de personajes e inteligencia. Este tipo de trasfondos inteligentes por el que se mueven los personajes pueden hacernos apreciar esta clase de películas de acción como algo más que los productos hollywoodienses de turno, podemos llegar verlos como cine con mayúsculas. Este es el caso de Watchmen (Zack Snyder 2009) en la que nos encontramos con el trasfondo político de la guerra fría o El caballero oscuro
(Christopher Nolan 2008) en la que se nos plantea el precio que estamos dispuestos a pagar por salvar a nuestros seres queridos del caos total.

Creo importante destacar que en otros aspectos referidos a la película es prácticamente perfecta y redonda. Todo en V funciona a la perfección como un reloj y te guía a un buen ritmo por la historia. Puedes disfrutar de unas secuencias de acción espectaculares e increíblemente bien realizadas, a la par que puedes emocionarte cuando se cuenta con maestría la historia de dos mujeres que vieron con ojos inocentes como el país se sumía en el terror para posteriormente ser separadas y ejecutadas solo por ser pareja.

En cuanto al guión adaptado por los hermanos Wachowski no deja tener elementos de su película Matrix, pero adaptando con elegancia el comic contándote lo que necesitas saber para entender la historia. En definitiva cine en estado puro con el impresionante y admirable debut de su director James McTeigue.

O Brother. La mejor comedia de los Coen

Los hermanos Coen siempre consiguen dotar de brillantez y perfección estética a todo lo que tocan, este es el caso de O Brother, una comedia esperpéntica en la que con gran maestría adaptan La Odisea de Homero y la llevan a su terreno.

En la película en lugar de a Ulises tratando de volver a casa tras la guerra de Troya, nos encontramos ante un trio de presos encabezados por Ulises (George Clooney) que escapan encadenados de la prisión y deben aventurarse por el Estado de Misisipi durante los años treinta para recuperar un tesoro escondido.

O Brother continúa el perfeccionamiento del poderío visual que los Coen iniciaron en su película anterior `El hombre que nunca estuvo allí´. Posee grandes detalles visuales sacados de clásicos del cine o de los tópicos sobre el sur profundo de Estados Unidos. En O Brother abundan los clásicos personajes estrambóticos propios de la mitología de los Coen, el niño con una escopeta que amenaza con matar a los del censo si se acercan a la finca, un oportunista vendedor de Biblias (John Goodman) y el gánster "Nelson Cara de niño".

Las diversas situaciones no dejan de ser alegorías a La Odisea de Homero, el encuentro con unas mujeres que cantan mientras lavan su ropa emula claramente al encuentro de Ulises y los griegos con las sirenas en una isla perdida. También es memorable el momento en el que nuestros presos fugados se encuentran en medio de una de las reuniones secretas del Klu Klux Khan por la noche.

Me quedo con la excelente fotografía del maestro Roger Deakins dando un estilo de imagen propio a la película con un tono cercano al sepia. Una soberbia banda sonora (ganadora de un premio Grammy) compuesta por música country, en la que destaco la canción que Ulises y su banda cantan al final. Y no menos memorable es la interpretación de George Clooney como Ulises, ese estafador con labia al que incluso en plena huida de la policía, lo único que le preocupa es mantener su pelo peinado y engominado con loción capilar.

En definitiva considero que las nominaciones a los Oscar conseguidas por esta película en las categorías de mejor fotografía y mejor guión adaptado están más que merecidas.

Una película increible

Si Azuloscurocasinegro era buena Gordos es aún mejor, tanto visual como dramáticamente. Con Gordos Daniel Sánchez Arévalo ha conseguido pasar de joven promesa del cine español a un director con un talento indudable.

Ayer fue la tercera vez que volví a ver Gordos y no puedo hacer otra cosa que rendirme ante su discreto encanto de comedia dramática sobre las apariencias en la sociedad actual. Cinco historias alrededor de una terapia para personas con problemas de peso. Un presentador que era la imagen de unas pastillas para adelgazar (Antonio de la Torre), un policía obeso temeroso de no llegar a cumplir los cincuenta debido a su peso, una ingeniera de telecomunicaciones que empezó a engordar cuando su novio se fue por trabajo a Los Ángeles, una chica que comenzó a engordar cuando empezó a salir con su novio ya que él come mucho pero no engorda y el propio terapeuta incapaz de mirar a su novia mientras ella está embarazada.

Poco a poco estas historias se van completando y crean un maravilloso retrato sobre las obsesiones de la sociedad por las apariencias. La necesidad de encontrarse a gusto con uno mismo y no dejarse llevar por las apariencias es el principal mensaje de Gordos, ya que como dice el terapeuta al comienzo de la terapia: “Estoy aquí para ayudar a la gente a sentirse bien consigo misma no para ayudarla a adelgazar”.

De la película me quedo con un estupendo e increíble guión. Una estética personal como ya demostró en Azuloscurocasinegro y en sus anteriores cortometrajes. Un talento visual impactante al nivel de la maestría estética del último Almodóvar (Los abrazos rotos y Volver), unos planos bellamente realizados, un uso fluido y elegante de la cámara le sirven a este `Enfant terrible´ para guiarnos por las diferentes historias. Una fotografía lucida y vanguardista con un magnifico uso de las lentes focales para centrarnos la atención en los correspondientes personajes. Finalmente destacar la brillante interpretación del más que soberbio Antonio de la Torre en su papel de homosexual obeso, me quedo con su frase: “Lo cierto es que siempre he sido un heterosexual reprimido”.

Actualmente Daniel Sánchez Arévalo se encuentra realizando su tercer largometraje de nombre Primos, basado en la historia de sus cortometrajes. Ante esta noticia solo puedo esperar con ansia su nuevo largo y decir: “Tócala otra vez Daniel”.

Mi primer reportaje fotográfico

Un reportaje fotográfico por las calles de la increible Barcelona. Aunque mi talento como fotografo es muy limitado (por no decir inexistente) he intentado realizar el reportaje lo mejor que he sabido. Espero que os guste.


P.D Probablemente en color el reportaje seria mas vistoso, pero debido a la luz del sol demasiado fuerte en algunas fotografias hacia imperceptibles algunos detalles en las fotografias. Espero hacer el siguiente reportaje en color.

Shutter Island

Inquietante, oscura, poética. Así definiría yo a la última y brillante creación de Martin Scorssese, un thriller psicológico en el que con aires de best-seller se cuenta la historia del inspector de policía Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) y su compañero (Mark Ruffalo) a los que se les encarga la misión de ir a investigar la desaparición de una paciente en un hospital psiquiátrico de máxima seguridad en una isla cercana a Boston llamada Shutter Island, pero pronto lo que parecía una investigación rutinaria se convertirá en una pesadilla en la que todo el mundo parece conspirar contra el inspector Daniels, mientras que los fantasmas de su pasado comienzan a atormentarle. Como telón de fondo la américa de 1954 en la que la guerra fría y la lucha anticomunista mediante el lavado de cerebro están presentes en todo momento.

Scorssese da vida a esta magnífica producción en la que abundan los momentos de cine en estado puro, olvidándose del estilo utilizado en su anterior y más que sobrevalorada película Infiltrados, en mi opinión mediocre y vacía de interés.

El equipo artístico es espectacular, encabezado por el magnífico Leonardo DiCaprio que con su interpretación contenida de un hombre atormentado sabe transmitir todas las emociones necesarias para comprender el viaje de un hombre torturado por un pasado que le persigue. El elenco de secundarios es increíble con el increíble Ben Kingsley en el papel de director del psiquiátrico y la leyenda de la pantalla Max von Sydow en el papel de misterioso psiquiatra alemán.

La planificación visual de Scorssese es elegante y poética, creando esa estética inquietante de la mano unos planos bellamente realizados y una fotografía sombría con voz propia y todo esto sin caer casi nunca en el efectismo y en los tópicos del género. Todo esto genera una tensión en el espectador y no dejas de pensar que en cualquier momento un medico aparecerá por la espalda te clavara una inyección.

Destacan la banda sonora compuesta por una increíble selección de piezas de compositores contemporáneos entre las que destacaría el Cuarteto para cuerda y piano en A menor de Gustav Mahler. Me encanta esta pieza ya que esta pieza brilla por si sola y proporciona una fuerza visual y emocional increíble a la escena en la que Teddy recuerda cuando durante la guerra libero el campo de concentración de Dachau y los americanos encontraron todas las atrocidades cometidas por los nazis.

Por todo esto considero a Shutter Island una de las mejores películas de Scorssese en años.

Origen(Inception)

Tres niveles de realidad, un pasillo que comienza a girar sobre su propio eje y una ciudad que se pliega sobre sí misma. Estas son las cosas que me vienen a la cabeza al pensar en Origen la última y revolucionaria película del gran Christopher Nolan.

Parece que este enrevesado guión ya llevaba gestándose en la mente de Nolan desde su etapa universitaria en la que rodo su cortometraje Doodlebug. En el corto se ve a un hombre con un matamoscas persiguiendo y tratando de matar a una versión más pequeña del mismo, y cuando consigue matar a su yo reducido sobre la habitación aparece una versión más grande de él que lo aplasta también con un matamoscas. Me atrevería a suponer que de aquí surgieron los tres niveles de realidad.

En Origen Nolan cuenta la historia de Cobb (Leonardo DiCaprio) un hombre que injustamente es acusado del asesinato de su esposa, por lo que se ve obligado a separarse de sus hijos y a utilizar su habilidad como extractor de ideas en los sueños al servicio del mejor postor. Un día un poderoso empresario (Ken Watanabe) le ofrece la posibilidad de volver junto a su familia si realiza un último trabajo, solo que esta vez no consistirá en robar una idea, sino en introducirla aunque Cobb lo tenga todo planeado las cosas se complicaran en el mundo onírico para él y su equipo.

Nolan vuelve a demostrar su capacidad como ya lo hizo en El caballero oscuro de crear un “blockbuster de autor”. Esto significa que Nolan es capaz de crear buenas historias a buen ritmo que no decaigan, pero también dotando a sus personajes de profundidad, complejidad pero ante todo dejando su sello personal, como la ruptura temporal y la profundidad psicológica de sus tramas, lo que permite que en el cine de Nolan puedas quedarte con la trama psicológica o con los elementos de acción de aventura, o con los dos.

Si algo encuentro fallido en Origen es que debido a la alta complejidad del guion la trama sentimental me resulta en ocasiones poco creíble y accesoria, pero de alguna manera necesaria para comprender el viaje de Cobb.

Como buen alumno de la escuela Spielberg Nolan despliega su talento como contador de complejas historias con su elegante estilo de cámara y montajes trepidantes en los que se mezclan varias secuencias al mismo tiempo. La increíble banda sonora compuesta por Hans Zimmer se funde con la película creando una bestia perfecta que te hace pensar en la música como en una voz más de la historia. No menos tiene que decir el gran diseño de producción construyendo las ciudades y edificios de los sueños inspirándose en el expresionismo y en la arquitectura clásica. Wally Pfister crea una fotografía que más que lucirse por sí misma busca contar la historia.

Balada triste de trompeta. Obra maestra

Siempre he considerado a Alex de la Iglesia como un director con un talento visual increíble, unos guiones que te sorprenden por su originalidad y te cortan la respiración en su desarrollo. Todo esto no hace más que confirmarse en esta Balada triste de trompeta.

La película comienza en el Madrid de la Guerra Civil. De la Iglesia nos guía por una trepidante secuencia de batalla cuerpo a cuerpo entre nacionales y republicanos, y de por medio, un payaso con un tutu rosa (Santiago Segura) combatiendo con un machete. De esta magnífica secuencia somos trasladados al año 1973 (justo antes de la Transición), con un payaso triste (Carlos Areces) trabajando en un circo con el payaso tonto (Antonio de la Torre), ambos enamorados de la chica de la tela (la espectacular Carolina Bang) que es la mujer del payaso tonto . El payaso tonto es un psicópata que maltrata a su mujer, esto hace que el payaso triste decida defenderla, lo que creara un conflicto fatal entre ambos y hará que el payaso triste olvide quien era.

Sin duda la mejor película de Alex de la Iglesia, mezcla sentimientos, risas macabras y terror de una manera perfecta y admirable. El reparto es espectacular, con un genial Carlos Areces, el descubrimiento de Alex de la Iglesia de esa increíblemente sexy Carolina Bang en su papel de trapecista masoquista y por ultimo ese gran actor que ya me deslumbro en Gordos y en Azuloscurocasinegro llamado Antonio de la Torre en su papel de payaso tonto que aunque cariñoso con los niños cuando esta fuera del escenario es un psicópata sin compasión.

La estética de Balada triste es poderosa, con una espléndida fotografía que recuerda a un comic con un exquisito diseño. Los payasos nos sirven como metáfora para ver las divisiones en un país de envidiosos en el que lo que todo el mundo quiere hacer es reírse de las desgracias ajenas como un payaso, a veces tonto por reír y otras triste por sufrir las desgracias con las que otros se divierten. Y como telón de fondo esa España hortera de los setenta. En definitiva su mejor película que vuelve a los origenes de El dia de la Bestia, perfecta por su imperfección, hecha desde las entrañas y sin concesiones ni indiferencia. Puro Alex de la Iglesia. Pura obra maestra.

Hamlet de Kenneth Branagh

Hamlet príncipe de Dinamarca recibe la visita del fantasma de su padre El Rey, el cual le anuncia que su muerte no ha sido natural como todos creen, sino un vil asesinato planificado y ejecutado por su ambicioso hermano quien acaba de casarse con su madre y ocupar el cargo de su padre. Hamlet jura que no descansara hasta que consiga vengarse de su tío, por lo que decide fingir locura o como el mismo lo denomina "locura por astucia", esto generara intrigas y tensión en la corte de Dinamarca.

El clásico de Shakespeare nunca había estado en mejores manos que en las de Kenneth Branagh, quien consigue convertir esta adaptación cinematográfica de la obra en una verdadera obra maestra. La adaptación de aproximadamente cuatro horas de duración, es la mas larga jamás rodada sobre la obra de Shakespeare, sin embargo Branagh consigue crear una adaptación con ritmo, bien estructurada, con un reparto magnifico lo que hace que disfrutemos de esta adaptación como pocas veces se ha conseguido y que lo que más temamos es que termine la película.

Branagh apodado como "el nuevo Laurence Olivier" interpreta a Hamlet de una manera magistral, contrayendo el personaje (tantas veces interpretado por otros) de una manera única otorgándole su presencia y su voz. No solo Branagh brilla en la película, los secundarios bien situados en sus personajes son increíbles, como Kate Winslet en el papel de Ofelia, Derek Jacobi en el papel del tío de Hamlet y un sorprendente Billy Crystal en el pequeño papel de sepulturero.


El uso por parte de Branagh de los travellings circulares, le permite combinar la unidad del ambiente teatral con la estética cinematográfica de los personajes. La producción del film es elegante y pulida hasta la medula. Con una estética propia, entre la era Shakesperiana y la época napoleónica, Branagh nos deslumbra realizando unos complejos travellings y planos sumamente elegantes mientras los personajes se mueven y hablan entre ellos por los salones del palacio tan cuidadamente diseñados . En estas cuatro horas de tragedia Shakesperiana, Branagh nos deslumbra con su apabullante talento, siendo destacable el encuentro en el cementerio entre Hamlet (Branagh) y el sepulturero (Billy Crystal). Todo ello acompañado por la genial banda sonora compuesta por Patrick Doyle.

Macht Point

Las luces se apagan y comienza la película. Observamos un campo de tenis, sobre la red vemos una pelota moviéndose de un lado a otro del campo, una voz en off nos introduce en la historia: "En un partido de tenis hay un momento en el que la pelota choca contra la red y durante una milésima de segundo la pelota se paraliza en el aire, si la pelota continua hacia adelante ganas, pero puede no hacerlo y pierdes. Mucha gente no cree en la suerte, les asusta pensar que gran parte de la existencia depende del azar".

Este es el inicio de Macht Point, uno de los mejores y mas logrados guiones de Woody Allen en los últimos años junto con Melinda y Melinda. Macht Point esta ambientada en el Londres actual situando como marco narrativo a una familia de clase alta inglesa. Chris Wilton (Jonathan Rhys Meyers), un ambicioso y joven profesor de tenis, que poco se va introduciendo en la élite de la sociedad londinense. Gracias a su amistad con Tom Hewett (Matthew Goode), Chris consigue introducirse en su adinerada familia y enamorar a su hermana Chloe (Emily Mortimer). Todo parece ir bien para Chris, hasta que se enamora de Nola (Scarlett Johansson) la novia de Tom una atractiva americana aspirante a actriz. Todo esto hará que la fácil y tranquila vida de Chris en la elite londinense se complique debido a su romance con Nola.

Macht Point puede ser acusada de ser una película fría y maniquea debido a la pretendida perfección de la que Allen dota a la cinta, y puede ser cierto. Pero sus elegantes formas, la intriga y tensión que recuerdan a la novela El talento de Mr. Ripley de Patricia Highsmith, hacen de Macht Point no una obra maestra como la denominaron algunos si no una buena película que se disfruta de principio a fin. La originalidad de la que Macht Point fue acusada es cuestionable, ya que Allen contó una historia muy similar en Delitos y faltas, protagonizada por Alan Landa. A destacar también la excelente selección musical compuesta en su mayoría por piezas de opera italiana y la increíble interpretación que Scarlett Johansson realiza de mujer fatal demostrando aquí su talento como actriz. Por ultimo pero no menos importante la inteligente y sutil metáfora que Allen nos muestra entre la pelota de tenis y la suerte, metáfora de la cual comprendemos su porque al final de la película.