Sin City

Si vemos Sin City varias veces en cada visionado podremos descubrir algo nuevo de lo que no nos habíamos percatado anteriormente. Como toda obra maestra Sin City puede y debe verse mas de una vez para poder disfrutarla como lo que es, una joya del cine negro.

En el comic de Frank Miller (también director de la película junto con Robert Rodríguez) se refleja una ciudad corrupta sumida en la oscuridad. La historia de la ciudad se cuenta mediante tres historias cruzadas que encuentran su punto de encuentro en un bar de mala muerte, aunque no tienen una conexión directa entre ellas.

La película se inicia con un prologo que nos acerca a un asesino a sueldo (Josh Hartnett) que se encuentra a punto de matar a una prostituta.

La primera historia y en mi opinión la mejor de las tres. Cuenta la historia de Hartigan (Bruce Willis) uno de los pocos policías honrados que hay en la ciudad, este debe detener el asesinato de una niña a manos de el perturbado hijo de un senador. Pero debido a la corrupción de la ciudad el hijo del senador sale libre y Hartigan es condenado en su lugar.

La segunda historia tiene como protagonista a un matón de poca monta (Mike Rourke) que despierta con el cadáver de la prostituta con la que había pasado la noche, decide vengar su muerte ya que se había enamorado de ella y descubrir quien la tendió la trampa.

La tercera historia (con el sello de Robert Rodríguez), narra la historia del barrio de las prostitutas (Old Town) y de como deben deshacerse de los cadáveres de un policía que había muerto allí, ya que si la policía lo descubre se romperá la paz que habían conseguido entre ambos bandos.

La ultima parte de la peílcula cuenta el final de la primera histortia. Tras ocho años Hartigan sale de la cárcel y encuentra a la niña que salvo (Jessica Alba), para protegerla de el hijo del senador que busca venganza por lo sucedido años atrás.

Aunque todas las historias de Sin City son un poco tópicas están bien contadas visualmente y la fotografía en blanco y negro mezclada en algunos casos con color por ejemplo: el rojo de la sangre o para expresar momentos mas emocionales. La estética de comic de la que se consigue impregnar a la cinta no esta exenta de elogios. Tarantino colabora ofreciendo su poderío visual en algunas escenas como director invitado, deleitándonos con su visión cinéfila de la violencia siempre tan personal.

En definitiva Sin City es el coctel perfecto de acción, con unos tiroteos y persecuciones trepidantes. Pero también esta respaldada por un gran guión con unos personajes bien diseñados e interpretados.

Amores perros

La historia de unos jóvenes que se ganan la vida apostando con su pitbull en peleas de perros clandestinas, una modelo española que ve truncada su carrera debido a un accidente de coche, la historia de un asesino a sueldo que busca la manera de pedir perdón a su hija por haberla abandonado. Estas tres historias entrelazadas contadas por capítulos se van dejando entender según avanza la película ya que en cada capítulo vemos destellos de las otras historias. Finalmente todas las historias encuentran una conexión entre si unidas por un accidente de tráfico.

Esta original manera de estructurar la película hace que veamos en Amores perros tanto un sólido guión confeccionado por Guillermo Arriaga como un gran pulso en la dirección a la hora de estructurar las historias por parte de su director Alejandro González Iñiarritú.

El marco donde se desarrollan todas las historias de Amores perros es el México de los suburbios, aquí observamos las desgracias de unos `personajes condenados a la sordidez. Y es que esta es la mejor manera de definir Amores perros: Una obra maestra sórdida. En su opera prima Iñiarritú perfecciona su estética, teniendo esta un peso importante en la película. El uso de una fotografía quemada, similar a la utilizada en la película de Steven Soderbergh Traffic.

El hecho de que todas las historias encuentren su punto de unión mediante un accidente, a pesar de ser un recurso manido, aquí encaja a la perfección. El accidente hace que nos preguntemos hasta que punto estamos todos conectados y de como un hecho que sucede a cuatro manzanas de donde se encuentra una persona le puede acabar afectando a el aunque no tenga una relación aparente con el accidente, para que despues este hecho cambie su vida por completo.

Allen. El genio interminable.

Sonara raro para aquellos que me conozcan el que haya tardado tanto en escribir sobre el neoyorquino más famoso de la historia del cine. Por eso en este artículo procurare poner mi ya demostrado escaso talento como escritor para analizar y contar la historia de este brillante y prolífico director.

Si echamos una mirada atrás en la filmografía de Allen podremos comprobar que desde el año 72 ha ido a un frenético ritmo de film por año (salvo la excepción de algún año el que ha hecho dos películas) y es que Woody Allen es de esa clase de directores que como el mismo afirma: “Si no pudiese rodar, tendría que suicidarme. No tengo vida mas halla de eso”. En mi opinión este hecho hace que Allen no pueda ser considerado como un genio y artesano del séptimo arte. Por otro lado este frenico ritmo hace admirable la capacidad de escritura y producción de Allen.

Allen comenzó su filmografía con una marcada inspiración en los hermanos Marx (con especial mención a Groucho). En esta etapa Allen se preocupa mas por el gag y el chiste fácil (ya que era un conocido cómico en los escenarios de Nueva York). En películas como Bananas o su opera prima `Toma el dinero y corre´ parece no ser capaz de asumir el rol de director, aunque su labor como guionista es brillante. Hasta la que sera la ultima película de este periodo `La ultima noche de Boris Grushenko´. Película en la cual consolida el personaje creado anteriormente, el patoso neurótico intelectual (interpretado por el mismo). En el film parodia todas las cosas que admira, desde Bergmann hasta la literatura rusa de Tolstoi. Esta es para mí su comedia gamberra mas perfecta y estilizada, marcando el final de esta etapa.

En el 77 con Annie Hall empieza a ser consciente de su papel de director. Esta es hasta cierto punto una película autobiográfica que habla de las relaciones personales y muestra su desprecio por la ciudad de Los Ángeles, demostrándolo cuando el personaje de Allen dice: “Aquí no tiran la basura, la convierten en programas de televisión”. En el film hay todavía algo de humor gamberro, pero aquí ya se ha plantado la semilla del futuro Allen. Cabe destacar de Annie Hall la brillante interpretación de Diane Keaton como Annie.

Con Manhattan da mas prioridad a la estética que a la historia, siendo una declaración de su amor por Nueva York. La fotografía en blanco y negro es sumamente elegante, Diane Keaton y los secundarios estan esplendidos.

En los años posteriores a Manhattan Allen se sume en un vacío creativo al tratar de ser un Bergmann americano realizando películas como September y Otra mujer. A su periodo bergmaniano podríamos achacarle la creación de películas de escaso contenido e interés como Sombras y niebla o La comedia sexual de una noche de verano.

Pero en los noventa sus comedias tienen un planteamiento fresco y original, siendo las más destacadas Balas sobre Broadway y Acordes y desacuerdos (protagonizada por un brillante Sean Penn).

Actualmente Allen muestra mayor interés por la comedia dramática con contenido moral más alto del que estamos acostumbrados a observar en su filmografía. Match Point demuestra esto siendo un drama altamente sobrevalorado. Pero en esta etapa también podemos observar películas interesantes y con gancho: Scoop, Si la cosa funciona o Conocerás al hombre de tus sueños son un buen ejemplo de que Allen sigue teniendo talento para la comedia.

Allen ha conseguido sin lugar a dudas ser uno de los personajes mas populares y prestigiosos de nuestro tiempo ya que todas las grandes estrellas de Hollywood están dispuestas a reducir sus sueldos millonarios por trabajar con el. Y aunque podríamos recriminarle muchas cosas por realizar una película anualmente, pero nunca podremos negar que ese momento en el cine cuando se apagan las luces y comienzan los títulos de crédito con esa música de Jazz clásico americano es pura magia.

Two Lovers

Two Lovers cuenta la historia de Leonard (Joaquin Phoenix), un joven neoyorquino que sufre un trastorno bipolar. Leonard lleva una vida tranquila viviendo y trabajando con sus padres. Su vida cambia cuando conoce a Sandra (Vinessa Shaw) la hija de uno de los socios de su padre con la que comienza a salir. Pero poco después su vida da un vuelco tras la llegada de su nueva vecina Michelle (Gwyneth Paltrow) de la que se enamora al instante.

Esta comprometida situación hace que Leonard deba pensar que camino tomar, si se queda con Sandra será únicamente para garantizar la estabilidad económica de su familia ya que realmente no siente un amor sincero por ella. Leonard ama a Michelle pero con ella no obtendría la estabilidad que el necesita, ya que Michelle es una drogadicta enamorada de un hombre casado.

Two Lovers inspirada en la novela Noches blancas de Dostoievski nos plantea ese conflicto universal entre aquello que necesitamos para tener una vida “socialmente aceptable” y lo que amamos y deseamos realmente. Estos dos caminos se cruzan y chocan en esta película dirigida por James Gray que ya demostró pulso en la dirección con la película Little Odessa.

La situación y el tiempo en el que se desarrollan Two Lovers. El ambiente familiar de un barrio neoyorquino en los años dos mil. Sigue la filosofía de Tolstoi: Contando la historia de un pueblo estas contando la historia del universo. También recuerda al mejor Rohmer, contando historias sencillas y cotidianas. En Two Lovers podemos encontrar cierto espíritu de la Nouvelle Vage francesa.

Gray dirige con maestría esta pequeña historia con una estética propia y una puesta en escena que recuerda al Woody Allen más dramático. Macht Point y Delitos y faltas son algunos ejemplos de esto.

Cine clásico y moderno ¿el tiempo dignifica?

El tema que quiero tratar en este articulo es la situación del cine actual frente a los clásicos que todos admiramos y disfrutamos. Este articulo esta dedicado a todos aquellos que muestran su preocupación por la desaparición de los grandes genios del cine aún vivos (Allen, Eastwood, Spielberg, Scorssese).

A muchos nos preocupa la proliferación cada vez mayor de anuncios de películas precocinadas y hechas a medida. Muchos de estos productos vienen de un Hollywood que nos hace recordar con nostalgia su era dorada. Sin embargo ¿el buen cine tal y como lo conocemos a muerto? Analicemos la situación.

Sin duda el cine clásico como en todos los artes que le han precedido (pintura, arquitectura, etc.) jugaba con una ventaja, estaba en sus comienzos por lo que ser original e innovador era mas fácil. Por el contrario hoy en día la creatividad es mas difícil de encontrar. Como siempre que se dice: ¡Vaya he tenido una idea genial! A lo que se le responde: No, ya hay una película coreana que es igual. Probablemente de esta película coreana nadie sabe nada, hasta que los americanos la compran y hacen un remake que se distribuye en todo el mundo, y son ellos los originales.

El problema es que los grandes estudios no buscan arriesgarse y deciden hacer remakes, que ya tienen un publico seguro. Incluso pueden jugar con los cinéfilos poniendo en el proyecto a un director de prestigio para que la gente diga que es buena.

Casi todas las historias están contadas, ahora lo importante no lo que cuentas sino como lo cuentas. El papel del guionista esta cayendo a favor del director. Lo que no significa que ya no se puedan hacer buenos guiones.

El tiempo dignifica. En los sesenta Hitchcock era acusado de ser un director comercial, hasta que Truffaut y otros críticos franceses lo reivindicaron como a un autor. Es mas los grandes actores de la época no querían trabajar en películas de suspense ya que no eran consideradas como buenas. Hoy en día esas películas se estudian en las escuelas de cine como ejemplos de genialidad.

Actualmente el peso de realizar lo que llamamos buen cine en Hollywood recae sobre: Sam Mendes (director clásico, proveniente del teatro) sobre su segunda película Camino a Perdición se dijo que era la mejor película de gángsters desde El padrino. Mendes se encuentra a caballo entre el cine de autor y el comercial. Por otro lado tenemos a Christopher Nolan. Heredero de Kubrick. Nolan siempre críptico y personal demostró su genialidad con El caballero oscuro. Realizando lo que se llamo “El Blockbuster de autor”.

Al otro lado del océano se encuentra el cine europeo, basado en pequeñas historias que muestran la mirada de su autor. Europa va ganando poco a poco terreno a Hollywood gracias a su creciente prestigio. Finalmente en España se esta viviendo un cambio gracias a directores como Amenábar y Bayona. Estos directores suelen provenir del thriller y cuentan historias pequeñas muy europeas, pero de una manera muy americana. El cine español mejora aunque no soporto la frase: No parece española. Ya que en España ha habido buenas películas durante mucho tiempo.

En resumidas cuentas. Debemos darle tiempo al cine actual para que encuentre su lugar.

American Beauty

La opera prima de Sam Mendes habla sobre una sociedad en la que se vive "el sueño americano". Pero tras la fachada de felicidad en la vive a familia Burnham, en un apacible y típico barrio americano se refleja la verdad. Lester (Kevin Spacey) esta insatisfecho, atrapado en un estilo de vida con el que no se siente a gusto. Su mujer Carolyn (Annette Bening) se esfuerza por mantener la imagen de que son la perfecta familia americana.

Lester vuelve a sus sueños de juventud e inconformismo cuando se enamora de una de las amigas de su hija, esta vuelta a su juventud le hace dejar su trabajo que siempre odio para empezar a trabajar en una hamburguesería y como dice Lester en la entrevista: Quiero el trabajo con la menor responsabilidad.

La infelicidad en un ambiente que supuestamente debería ser feliz, pero que es perjudicial para sus personajes es el eje central sobre el que gira toda la película. Como dice la voz en off de Lester al comienzo de la película: Este soy yo masturbándome en la ducha, a partir de aquí todo es cuesta abajo.

El contra punto de Lester lo representa su nuevo vecino, un conservador coronel del ejercito (Chris Cooper), el cual mantiene la supuesta perfección en su hogar con la diferencia de que el cree firmemente en esa mentira.

El uso de la banda sonora de Thomas Newman compuesta principalmente por música con instrumentos de percusión y un piano, hace que la película nos conmueva profundamente.

Creo que American Beauty es una película profundamente filosófica, que habla de perseguir nuestros sueños por encima de todo, encontrar lo que llamamos belleza en nuestras vidas, no lo que la sociedad nos ofrece y hace que lo tomemos como felicidad.

Los hermanos Coen y la genialidad cinematográfica

La aparición del primer trailer de la nueva pelicula de los Coen, True Crit, remake del clásico protagonizado por John Wayne, me ha hecho pensar acerca del talento y la grandeza visual de estos dos personajes que realizan sus films a cuatro manos.

Joel y Ethan Coen son de esa generación de cineastas cinéfilos que pasaron su infancia en las salas de proyección, al igual que su coetáneo Quentin Tarantino. Esto también se nota en sus primeros trabajos en el cine ya que Ethan trabajo como montador en películas de Sam Raimi como Posesión Infernal.

Su estilo tan personal y tragicómico, comenzó a fraguarse con su primera pelicula Sangre Fácil, película independiente de bajo presupuesto que juega con los tópicos del genero de gansters, con una estética muy oscura.

Su siguiente película Arizona Baby es una comedia atrevida y polémica. Los Coen cuentan una disparatada historia sobre un hombre que debido a que el y su mujer no pude tener hijos se ve obligado a robarle los hijos recién nacidos a un rico y millonario propietario de unos almacenes.

Su filmografía evoluciona con gran pulso gracias a la creación de una magnifica película de gansters, Muerte entre las flores. Es una pelicula sobre las luchas entre bandas italianas e irlandesas durante la ley seca. Los personajes aquí están bien interpretados y caracterizados. Mezclando en la realización clasicismo y su humor negro mas personal.

Para mi su filmografía puede dividirse en dos categorías, la comedia absurda y estrambótica representada principalmente por El gran Lebowski y Arizona Baby. En el otro lado tendríamos el reflejos mas clásico y oscuro de la América profunda, representada por Fargo y No es país para viejos (película con la que finalmente lograron el oscar como mejores directores).

En definitiva los Coen se caracterizan por basarse en guiones aparentemente poco originales, pero con la premisa de que si algo puede salir mal, saldrá mal. Ya sea perdiendo el dinero que se debe devolver a unos secuestradores en El gran Lebowski o perdiendo a tus propios hijos en Arizona Baby. Los Coen son capaces de hacernos ver como héroes a personajes que realmente tienen poco de heroes, asi también destacar la creación de personajes estranboticos en todas sus películas. No menos importante es su cuidada dirección artística así como su fotografía que alcanza la cumbre del preciosismo estético con El hombre que nunca estuvo allí.

P.D Aqui os dejo el link para ver los dos trailers de lo ultimo de los Coen: http://www.blogdecine.com/trailers/true-grit-trailer.

Flash Fall

Os dejo este corto en el que espero haber mejorado algo en la técnica y la estructura del guión. Espero que os guste.

300

La historia del rey Leonidas y los 300 espartanos que combatieron hasta la muerte en el angosto paso de las Termo pilas a un ejercito de aproximadamente un millón de persas durante las guerras de la Antigüedad entre griegos y persas. Fue retratada con una poderosa estética por Frank Miller en el comic 300.

Unos años mas tarde cuando se estaba preparando la adaptacion cinematográfica de 300 los productores eligieron como director a un joven Zack Snyder que tan solo habia dirigido un pelicula Amanecer de los muertos, un remake del clásico de zombis de George A. Romero. Snyder siendo un director con escasa experiencia en cine creo un universo propio haciendo que el comic y el cine se uniesen creando un bestia perfecta con un estilo y estética propia sellos de la casa Snyder.

Las escenas de acción de 300 demuestran la presencia tras las cámaras de un verdadero autor del cine de acción moderno. Su gusto por la mezcla de cámara rápida y lenta en los combates, por ejemplo cuando los persas son atravesados con un rápido movimiento de lanza, la cámara se ralentiza viendo como la sangre es limpiada por el movimiento de la lanza.

La música de rock empleada en las secuencias de acción nos permite introducirnos en las secuencias de manera que podemos emocionarnos con las secuencias de batalla de una manera que pocos films de acción consiguen.

300 no solo cuenta con unos efectos especiales magníficos y con un manejo de la iluminación impactante. También posee unos diálogos únicos y como telón de fondo la lucha por la libertad frente a la tiranía y la opresión.