Sin novedad en el frente

Este clásico del cine bélico, nos muestra a la perfección las consecuencias de la guerra y sus secuelas en las generaciones de jóvenes que, llenas de entusiasmo e ínfulas de heroísmo, marchan al frente cargados con un macuto y su ingenuidad. La película se centra en un grupo de jóvenes alemanes que reciben la llamada de las armas en 1914 para luchar por su patria. Pronto, todas sus ilusiones y sueños de juventud se dan de bruces contra un muro de alambre de espino y sus perspectivas sobre la vida y la muere cambian radicalmente. La cinta de Lewis Milestone, muestra la dura realidad del conflicto bélico que asolo Europa entre 1914 y 1918. Su intención no es la de aleccionar sobre los horrores de la guerra y tener un carácter panfletario, sino la de mostrar la mentalidad de un joven (Lew Ayres) quien pasa de tener una visión idealizada de la guerra, implantada por sus maestros en su  hogar, a descubrir que estos le han engañado, y que al igual que otros miles de jóvenes de todo el mundo, sirve a unos intereses lejanos que no puede comprender ni defender.   

El verdadero protagonista de la película no es este joven alemán ni sus compañeros de clase, sino los valores de la juventud, que son moldeados por clases mas elevadas para servir a sus propósitos. Este espíritu se refleja en una escena cuando un anciano le dice: “Marchad hasta Paris y acabad con ellos”, a lo que él responde: “Allí las cosas no son tan simples como las veis aquí”. Además de la situación de los soldados, en la película se refleja a la perfección junto con esta credulidad juvenil, el carácter alemán frente a la autoridad y la obediencia. Valores que serian claves para que, dos décadas mas tarde, Europa volviese a ser destruida por un nuevo Reich alemán, cimentado en la obediencia ciega y el espíritu patriótico de una juventud alemana resentida y afligida por el sabor de una derrota, que no vivieron ni comprendieron realmente hasta que tuvieron la suya propia.

No habrá paz para los malvados

El reciente triunfo de Urbizu con este thriller policiaco tan negro como genial me hace pensar que en nuestro país este genero todavía no ocupa el lugar de honor que se merece.

En su ultima película Urbizu, al cual siempre le ha caracterizado el estilo policiaco y duro, cuenta la historia de Santos Trinidad (José Coronado), un policía que una mala noche se ve envuelto en un triple asesinato. En su camino por deshacerse de todos los posibles testigos se acaba topando con una célula terrorista que opera en Madrid. En este marco de complejos personajes e intereses enfrentados Enrique Urbizu nos guía con su batuta hacia un trepidante desenlace.

Lo más destacable de la película es el personaje de Santos Trinidad que, lejos de ser el clásico policía honrado que lucha por la paz y la justicia, es un pendenciero asesino al que solo le importan sus intereses escondido tras una placa de detective. Coronado interpreta a la perfección el papel de este anti-héroe a través del cual contemplamos la historia, siendo la cara opuesta de la juez Chacón quien lucha por erradicar el mal y la corrupción.

La estética del mundo de los bajos fondos, está recreada a la perfección. La miseria y la corrupción nos sumergen en el mundo sórdido de este convincente thriller policiaco. Urbizu juega con los tópicos del género, encajándolos y haciendo que funcionen a la perfección. Su trabajo de cámara es impecable mostrando un ambiente que, con nuestro protagonista en el plano central, nos recuerda más a un western que a una historia de detectives. La suerte, la muerte y la ambición se entrelazan a la perfección.

Este llanero solitario, nos acaba poniendo de su parte y nos contemplamos a nosotros mismos admirando la profundidad de un villano, deseosos de que mientras se termina su cubata vuelva decirnos: rock and roll.

Millenium, la maldad con rostro cinematográfico

David Fincher siempre se ha caracterizado por un imaginario visual inquietante y poderoso, así como por una capacidad rítmica a la hora de contar la historia difícilmente igualable. Su andadura por el mundo del thriller comenzó con su opera prima Alien 3, con la que devolvió a la criatura su estatus de ser terrorífico, pero alcanza la cumbre con su segunda obra, la cinta de culto Seven en la cual realiza un minucioso retrato sobre la frialdad y la locura.

En su nueva película Fincher adapta la novela de Stieg Larsson, aportando a la espeluznante historia su portentoso talento visual. La historia narra el asesinato de la joven Harriet Vanger que el periodista Mikael Blomkvist (Daniel Craig) y Lisbeth Salander (una portentosa Rooney Mara) deben resolver investigando a la controvertida e intrigante familia Vanger y topándose en el camino con toda clase de situaciones que escapan al dominio de la cordura.

La historia es en manos de Larsson una novela hecha con formula y oficio que a pesar de su éxito mundial es tan solo un best-seller sin mayor trascendencia. Sin embargo, en manos de Fincher la historia se convierte en una obra cinematográfica digna de elogio que consigue aunar todos los elementos para convertirse en una de sus grandes obras. Es importante destacar la interpretación de Mara como Salander, ya que en ella vemos la fragilidad del personaje, cosa que Naomi Rapace (la anterior Salander en las versiones suecas) no era capaz de transmitir, ya que esta no poseía atisbo de credibilidad.

Fincher y Steven Zaillan (autor del guion) saben encajar la historia con precisión. Enfocan la historia desde la perspectiva del thriller (solido y profesional) y toman los temas mas llamativos de la novela, como el odio a las mujeres y la visión de Suecia ante la Segunda Guerra mundial, como trasfondo en el que se desarrolla este escalofriante thriller que Fincher con precisión de cirujano nos muestra en la gran pantalla. Aunque siempre quedarán los nostálgicos que al contemplar esta gran obra oigamos una vocecita en nuestro interior que no pare de susurrarnos: “Seven, Seven…”.

Pa Negre, una posguerra con sello de autor

Con el reciente anuncio de las nominaciones a los Goya de este año, creo que es un buen momento para recordar la indiscutible ganadora de los premios el año pasado, Pa negre. Esta perturbadora película dio a conocer a su director Agustí Villaronga al gran público.

Pa negre adapta la novela de titulo homónimo de Emili Teixidor, en la que se realiza un reflejo de la postguerra catalana vista a través de los ojos de un niño, que al contemplar el horror y la situación de su familia, va convirtiéndose poco a poco en la imagen de la ambición. Como rezaba una frase promocional de la película: “las mentiras de los adultos crean pequeños monstruos”.

Pa negre no pretende aleccionar sobre el bien y el mal, no es un folletín sobre la postguerra, sino que pretende reflejar el horror con una realidad y crudeza como pocas veces se han visto en la historia de nuestro cine.

Incluso la personal mirada de Villaronga nos lleva a abandonar la visión del romanticismo de los ideales que combatieron y muestra que detrás de todo el barniz político que recubre a ambos bandos solo existe una desalentadora verdad, el interés personal y el deseo de supervivencia.

Todo en Pa negre es irreprochable, en ocasiones su punto de vista nos recuerda a un cuento, con tintes de terror y misterio. Los horrores que narra son vistos por los ojos de un niño que con el paso del tiempo va perdiendo la inocencia y el apego a su familia, consciente de que deberá llegar a abandonarlos para salir de la miseria y llegar a alcanzar sus ambiciones.

La intrigante historia del film de Villaronga esta contada con un ritmo y una elegancia admirables, además de destacar que su lenguaje visual es digno de los grandes maestros del cine. El toque final a esta elegía a los horrores de la guerra lo dan unos brillantes secundarios como Sergi López, Eduard Fernandez y Laia Marull.

El topo, un James Bond basado en sutilezas

Creo que la mejor manera de definir El topo es como una historia de sutilezas, de detalles y miradas. Este es el espíritu que se vivía en la Guerra Fría, el desconocimiento absoluto de los amigos y enemigos, el constante temor a las represalias del bando contrario, un clima de tensión cargado de una poderosa atmosfera claustrofóbica que puede explotar en cualquier momento.

En su debut hollywoodiense Tomas Alfredson (Déjame entrar) narra la historia de la novela de espionaje escrita por Le Carré ambientada en la cúpula central del MI6 (Circus) donde los soviéticos han infiltrado un topo. El encargado de encontrar a el topo infiltrado por Moscú será George Smiley (Gary Oldman) un ex espía retirado, cansado de la vida, asocial y con una mujer infiel. Sin embargo este en apariencia cansado anciano es un brillante genio conocedor de los secretos del hombre.

Ni a Alfredson ni a Le Carré les interesa en exceso la identidad del topo, para ellos es una historia de espías en el sentido mas clásico que narra la lucha de dos mentes privilegiadas del espionaje, uno en Londres (Smiley) y el otro en Moscú (el enigmático Karla, al servicio del KGB). Acertadamente nunca vemos a Karla, lo cual permite que el espectador pueda crearse una imagen propia del carismático archienemigo de Smiley. Gary Oldman consiguió el suculento papel del agente Smiley contra todo pronostico, ya que el actor británico siempre se ha caracterizado por sus papeles histriónicos (El Quinto Elemento, Drácula, etc…). En contraposición el personaje de Smiley es un papel calmado, sutil, que no necesita de largos textos para mostrar su personalidad, es ante todo un personaje hipnotizante que solo requiere una mirada para decirlo todo, y al mismo tiempo te preguntas que estará pensando.

Lo mas destacable de El topo, además de un reparto estelar de secundarios que acompañan a Gary Oldman (Colin Firth, John Hurt, Toby Jones…), es su poderosa y opresiva atmosfera cargada de tensión y amargura, transmitiéndonos en espacios cerrados y grises cubículos de oficina del MI6 la claustrofóbica sensación de que no podemos confiar en nadie.

Un Dios Salvaje

En Un Dios Salvaje Polanski realiza con gran precisión el retrato de la sociedad occidental de nuestro tiempo. Este tema tan universal, es reflejado con el menor número de elementos posibles: un apartamento neoyorkino y dos matrimonios que, aunque quieran, no pueden abandonar la casa ya que en ella dejan sus principios y sus formas de ver el mundo. Con esta premisa tan buñueliana, Polanski nos cuenta la historia de dos matrimonios cuyos hijos se han peleado en una riña de colegio.

Para los padres del agresor (Kate Winslet y Christopher Waltz) esta acción será un asunto superficial, cotidiano y sin importancia. Para los de la victima (Jodie Foster y John C. Reilly) se convertirá en un asunto capital donde se deben mostrar los valores morales y éticos del ser humano. Esta historia es contada con un estilo magistral. Vamos contemplando como las buenas formas adultas de ambas partes, sus intenciones conciliadoras y su educación van desapareciendo y convirtiéndose en la repugnancia, el odio y el descontrol. Se ve progresivamente como en este espacio tan claustrofóbico el ser humano olvida todo sus valores éticos y cae en su naturaleza animal.

Si bien ésta es una película predominantemente de actores, en la que ellos deben llevar el peso y la carga de la película, para que el espectador pueda entender y juzgar la historia, el trabajo de Polanski no debe ser menos preciado, ya que con su sencilla puesta en escena y elegante trabajo de cámara es capaz de recrear en unos metros cuadrados esta brillante comedia negra en la que se muestran los valores occidentales, sin que en ningún moment nos llegue a parecer teatral.

EVA, un debut envidiable

El futuro gris, descompuesto, sin esperanzas de una vida mejor ha sido reflejado en multitud de ocasiones por la maquinaria hollywoodiense. Siendo de esta cantera, The Road, una de las películas futuristas más escalofriantes pero esperanzadoras que recuerdo. Esa joya que me cuesta (tanto) volver a ver, por puro pánico.

No es este mundo desesperanzado el que nos cuenta Kike Maíllo en su debut. En un tono casi cotidiano, nos narra la historia de Alex (Daniel Burhl) un ingeniero que vuelve a su ciudad natal tras diez años en el extranjero. Quiere diseñar un niño robot para su universidad. Como modelo toma a Eva, una niña con la que empezara un viaje difícil de abandonar.

Alejándose de los apocalípticos convencionalismos americanos, nos encontramos con un pequeño tesoro muy distinta EVA. Ambientada en un futuro no muy lejano, el 2041, en el que el tradicionalismo de las acogedoras casas de madera en pleno campo nevado, se mezclan con el uso de robots domésticos e instrumentos de alta tecnología, con un diseño retro que nos recuerda a los setenta, así como en cuanto a formas y estilo visual se refiere. Un futuro que salvo en ligeros matices, no nos mantiene muy alejado del actual, aunque si es más optimista y tranquilo.

EVA no solo nos descubre a un reparto bien posicionado (Daniel Bruhl, Marta Etura, Lluís Homar y la niña, Claudia Vega) sino que también nos conduce a un viaje emocional que bascula entre los efectos especiales (increíblemente realizados por Lluís Castels) y el viaje emocional de los protagonista; que realizan una interpretación de los personajes solvente en algunos casos y genial en otros, Por sus elementos futuristas y (algunos) aspectos de la trama podríamos pensar en A.I. (Steven Spielberg, 2001), pero lo cierto es, que los elementos futuristas y robóticos son solamente, un añadido más más, ya, que lo realmente trascendente, son los personajes y las relaciones entre ellos. A diferencia de A.I. el punto de vista (de EV) no es el de la máquina, sino el de su creador, y cómo afronta esta relación (he aquí la magia de esta genial opera prima). Como cita una frase de la película: “No importa si los robots sienten o no, lo importante es lo que te hagan sentir”.

Mientras duermes

El hogar, ese lugar sagrado en el que nadie puede entrar, tu santuario, donde ningún mal puede sucederte. Este es el terreno perfecto para desatar tus propios terrores, si alguien puede entrar en tu santuario, ya nunca tendrás la certeza de estar a salvo.

Este marco ha sido utilizado infinidad de veces como elemento de tensión, por la nueva ola de directores de genero españoles, por ejemplo en la reciente Secuestrados (Miguel Ángel Vivas, 2010), de una excelente factura digna de admiración, o El habitante incierto, opera prima de Guillem Morales, de un estilo e imaginario visual únicos.

En Mientras Duermes nos encontramos con un peso pesado del genero como es Jaume Balaguero (coautor de las bien diseñadas Rec y Rec 2 junto con Paco Plaza). Distanciándose del efectismo y los golpes de efecto que caracterizaban a sus anteriores películas, Balaguero realiza un ejercicio de terror psicológico cercano al Polanski mas puro y admirable (El quimérico inquilino).

Luis Tosar da vida con su imponente presencia a Cesar, el portero de la comunidad, el cual debido a su imposibilidad para ser feliz, solo busca la infelicidad de los demás. Balaguero crea con su cámara un ambiente que no debe su atmósfera terrorífica a crujidos de madera, ni pomos de puertas que se abren lentamente, sino a la psicología del personaje. Este es además un reto difícil, ya que la historia esta narrada desde la perspectiva de Cesar y al vivir la historia desde su punto de vista no puedes evitar querer que todo le salga bien a este desalmado psicópata, por el que en ocasiones llegas a sentir una terrible lastima. Como decía Hitchcock en relación a su obra cumbre del terror (psicosis), el público siempre quiere que las cosas salgan bien aunque estas acciones las realice un personaje sin moral ni empatía.

Al igual que por el atormentado Mala Madre (Celda 211) Luis Tosar será recordado por este personaje servicial, cabizbajo, que oculta su odio y repugnancia a los que le rodean con una falsa sonrisa, mientras él sin escrúpulos y con un manojo de llaves en las manos, te vigila mientras duermes.

Following

La ruptura temporal de Memento, el caso del falso culpable en El truco final o las trepidantes escenas de acción creadas gracias un habilidoso montaje y a un inteligente uso de la música para subrayar cada plano en El Caballero Oscuro y Origen, todos estos sellos de autor tienen a su predecesor en Following. Con un mínimo presupuesto y un guión que acrecienta la tensión con cada paso que da el protagonista, Christopher Nolan realiza un ensayo de lo que será su futura estética tanto visual como narrativa.

Bill es un escritor falto de inspiración que para encontrar ideas decide comenzar a seguir a desconocidos por la calle, sin embargo un día comienza a seguir a Cobb un ladrón de casas, con el cual iniciara una extraña amistad que cambiara su vida para siempre.

Se dice que para un director novel es bueno contar con la baza de la sencillez, Nolan cuenta una historia de una gran complejidad argumental, pero su estilo visual a la hora de narrar la historia hace que no echemos de menos una mayor cantidad de medios. Una estética limpia, con la que crea un cuento misterioso sobre la obsesión narrada desde tres hilos temporales distintos. Destaca el recuerdo de El beso del asesino (opera prima de Stanley Kubrick) de características similares a este fascinante ejercicio que dio a conocer al futuro creador de una obra maestra como El Caballero Oscuro.

La piel que habito

La más que publicitada nueva película de Pedro Almodóvar, anunciada como un salto mortal en su carrera, una apuesta ambiciosa y milimetrada para lograr la Palma de Oro en Cannes (la cual no consiguió a favor de la nueva obra del mítico Terrence Malick) no es más que una obra que escupe pedantería y pretenciosidad como ya hiciera con Todo sobre mi madre.

La historia narra la historia de un cirujano llamado Robert Legard (Antonio Banderas) que trata obsesivamente de reconstruir con técnicas de transgénesis a su mujer muerta en un incendio, para ello mantiene prisionera a una joven (Elena Anaya) que es la viva imagen de su esposa fallecida. Con esta historia Almodóvar pretende crear ecos del monstruo de Franskenstein e incluso en algunos puntos de la película algo parecido al terror gótico de Fritz Lang, digo en algunos puntos porque para lo que él es una extraña mezcla entre drama y terror vanguardista, para otros es una confusión de emociones falsas, que no generan ningún sentimiento de los que el director manchego pretende crear con su cámara.

La falsedad es el principal elemento que impregna la cinta, no es ni el supuesto drama, romance, obsesión y terror de un hombre torturado por la pérdida de su mujer estos sentimientos se pueden percibir vagamente como la supuesta intención de su autor, pero por encima de todos ellos está la falsedad y poca credibilidad de su personaje principal. Aunque Elena Anaya se esmera por mantener el tipo y Marisa Paredes llena la pantalla en cuanto aparece con su gran interpretación, Antonio Banderas está en un papel escrito para otro tipo de actor bien distinto al hombre que tan bien hacía de El Zorro. Es un papel para un actor como Eduard Fernandez (secundario en esta película). Hacia la mitad de la película, el director de Átame! da un giro de 360 grados a la película, nos lleva al punto más dramático (aunque para mi ridículo y sin razón) en ese momento me pregunto qué quiere hacerme pensar o sentir, lo único que sé es que en eso momento miras el reloj de tu muñeca y te preguntas ¿faltara mucho para que acabe este canto de opereta?

En un punto de la cinta mientras Antonio Banderas y Elena Anaya forcejean en una escena, ambos miran a la cámara como signo de la incredulidad. Mientras, al otro lado de la cámara, imaginas a nuestro director más internacional que, al igual que ese cirujano psicópata, milimetra y prepara el artificio de su gran obra de arte. Debo reconocer que Almodóvar para mí es como los ñoquis de un restaurante italiano, veo ese plato también envuelto estéticamente y me digo a mi mismo seguro que es el mejor del mundo, pero tras degustarlo me repito: ¿Por qué lo habré pedido? Sabe a indiferencia, huele a falsedad.

Capitán América

La creación de los héroes como metáfora perfecta de unos ideales suele ser el principal motor que mueve a sus creadores a darles forma y estilizarlos para a través de ellos hablar de la las situaciones que les preocupan en cada momento. Es el caso de Alan Moore con V de vendetta (con el que criticaba el conservador gobierno de Margaret Thatcher en Reino Unido)0 el de la patrulla X la cual representa el racismo y la no aceptación de aquellos distintos a lo considerado socialmente normal.

El héroe que nos ocupa en esta entrada es probablemente el menos sutil y con el mensaje más directo que se pueda encontrar entre toda la camada de Marvel Comics. Capitán América es un superheroe que fue creado durante la guerra, cuando la mayor preocupación en ese momento eran los nazis y su deseo de dominio mundial. La idea del soldado perfecto, fuerte y empático, es la visión de la América más idealizada y panfletaria, pero no muy diferente de su papel real en la segunda guerra mundial.

El problema de nuestro Capitán América es que es un superhéroe excesivamente americano, he ahí el problema como hacer que este tipo azul vestido con mayas nos interese al resto del mundo. Sencillo colocando a un villano tan malvado que haga que el espectador (no americano) decida olvidar sus prejuicios contra "el panfleto" y decida hacer frente común con nuestro héroe del otro lado del charco. Estos villanos no podrían que ser otros que los nazis, porque ... todo el mundo odia a Hitler ¿no?

Con esta premisa que debe conciliar al espectador con nuestro héroe nos adentramos en un espectáculo de acción, mucho más adulto que todos los que podamos haber visto este verano en nuestros cines. Con un estilo de cine de aventuras más cercano a El arca perdida (Steven Spielberg, 1981) que al Michael Bay más previsible y plano.

Os presento la nueva edición de Flash Fall (El montaje del director). Como fan de las revisiones de películas en DVD que soy he realizado un nuevo y mejorado montaje. Es una edición sin cortes y parones como la anterior, ya que con aquella use un programa de montaje nefasto, calidad de imagen y sincronización de la música mejorada y la friolera de 5 segundos adicionales. Espero que la disfruteis.

Winters Bone

La américa moderna siempre ha sido reflejada de muy distintas maneras dependiendo de la visión del director que afronte la figura del sueño americano como un altar que todos desean alcanzar, que promete todo con tan solo el trabajo y esfuerzo de uno mismo. Este sueño ha ido agrietándose y perdiendo misticismo en el séptimo arte, destacando la fascinante e hipnótica American Beauty (Sam Mendes, 1999), en ella se abandona la idea de la perfección social y la búsqueda del `american way of life´ para buscarse a uno mismo y recuperar el tiempo perdido en una existencia absurda.

En Winters Bone se refleja otra realidad, la de la américa central, la vida en las montañas alejándose así de toda posibilidad de misticismo y ensoñación. La historia de la joven Ree (Jennifer Lawrence) que trata de sacar adelante a su madre enferma, a sus dos hermanos pequeños y evitar que debido a la fianza que recae sobre su padre no les quiten su casa, y con ella todo lo que poseen. En esta historia no parece haber lugar para la esperanza, ya que Ree deberá hacer frente a un entorno hostil, oscuro y lleno de odio.

Jennifer Lawrence con su entregada y más que creíble interpretación de Ree nos hace ver que la lucha constante es el único camino que nos queda para sobrevivir a los obstáculos del mundo, para desvelar que al final nuestra única recompensa no es ningún “sueño americano” sino la pura supervivencia en un mundo miserable.

La honestidad y estilo formal que contiene este drama `indie´ americano con tintes de tragedia shakesperiana podrían encontrar su predecesora en Frozen River (Courtney Hunt, 2008).

Secuencia fotografica de Nueva York

Aqui os dejo mi segundo reportaje fotográfico, con la gran ciudad de Nueva York como protagonista, el reportaje esta acompañado por el tema My Foolish Heart interpretado por el pianista neoyorkino Bill Evans durante un concierto en el Village Vanguard en 1961.
Espero que os guste.

There Will Be Blood

El cine de Paul Thomas Anderson siempre se ha caracterizado por sus repartos corales, su rítmica a la hora de presentar ágilmente las situaciones dramáticas, los magistrales y elaborados movimientos de cámara, que dotan a su cine de una profunda inteligencia y de un cuidado estilo formal.

Si sus anteriores películas como Magnolia y Boogie Nights pertenecían a ese tipo de cine con numerosas tramas y personajes que encontraban sentido enlazándose entre unas y otras, tratando temas diversos como los sueños, el rechazo y la soledad. There Will Be Blood pertenece a un tipo de cine claustrofóbicamente encerrado en un solo personaje, con un solo tema de fondo la ambición y el deseo de poder por encima de todas las cosas. Una película con un personaje hipnótico como es Daniel Plainview (un espléndido Daniel Day Lewis) un hombre del petróleo torturado por sus viejos fantasmas con una fuerte codicia que luchara por el éxito a toda costa.

Anderson plantea en esta obra maestra una puesta en escena más clásica que en sus anteriores trabajos. La clave de la película no se encuentra en sus diálogos y movimiento, sino en sus cuidados sonidos e imágenes. Creando un inicio con un lirismo fascinante, mudo, dejando que la bella de sus imágenes narre la historia y nos presenten a nuestro protagonista. La potencia visual de la cinta reside en sus cuidados planos con una composición sobria pero que con pocos elementos son capaces de crear una poesía difícil de encontrar en el cine gracias al soberbio trabajo en la dirección de fotografía de Robert Elswit.

Una película que marca tiempos y silencios, que en ningún momento te hace perder el interés gracias a que todos estos elementos hacen de ella una obra maestra de nuestro tiempo.

Allen puntual como siempre

Midnight in Paris cuenta la historia de Gil (Owen Wilson), guionista de éxito que de viaje con su novia (Rachel McAdams) y sus suegros en Paris, descubre su amor por la ciudad de la luz, paseando por sus calles tiene el deseo y la creencia de que allí podrá crear su gran novela.

Con Might Night in Paris Allen retoma su estilo de comedia jovial e inteligente, como ya hizo dos años atrás con Si la cosa funciona. Allen se sitúa esta vez en Paris demostrando su amor por la capital francesa, convirtiendo a la ciudad en la verdadera protagonista de la película. Allen se muestra rejuvenecido en su discurso, hablando de sus temas favoritos: la inseguridad del artista (Balas sobre Brodway), la fantasía y ensoñación como vía de escape (La rosa púrpura del Cairo) y como no el amor por la metrópoli (Manhattan). Pero también introduce un tema interesante en la cinta que es la nostalgia frente a épocas pasadas que creemos mejores debido a la insatisfacción con nuestra época. La fantasía y el amor por aquello en lo que creemos son los vehículos que usa Allen para narrar la historia de Gil.

Para los nostálgicos del Allen mas cómico nos ha dejado una gran colección de sus mejores chistes y situaciones cómicas que gozan de un ritmo muy fluido. Del reparto se puede destacar a Owen Wilson, perfecto álter ego de Allen con sus inseguridades y paranoias y a un brillante Adrien Brody en un papel tan sutil como genial.

Con todo esto creo que ir a ver la nueva película de Woody Allen al cine, es un placer que espero poder disfrutar durante bastante tiempo, ya que creo que este acto cinéfilo podría convertirse en una excelente terapia. Sentarte en el cine, disfrutar de esos títulos de crédito únicos acompañados por una pieza musical a veces nostálgica y otras veces alegre. Te dejas llevar, disfrutas y al salir del cine aprecias un poquito mas el absurdo de la vida, queriendo simplemente más.

Discurso de Enrique V.

Aquí os dejo el link de una escena para el recuerdo: el discurso previo a la batalla de Agincourt de la obra Henry V de William Shakespeare. Interpretada y dirigida por Kenneth Branagh, la escena está rodada con un clasicismo admirable, la cámara sigue a Branagh con un lento y sutil travelling mientras realiza su vibrante discurso ante sus hombres. Como telón de fondo la banda sonora de Patrick Doyle crea una simbiosis entre el movimiento de la cámara y el discurso que se complementen creando una gran emoción que crece con el paso del discurso. Simplemente genial:

http://www.youtube.com/watch?v=5X_2WD0RnPo

Cuando Hamlet perdió su martillo

La película que aquí nos ocupa no es otra que Thor, la incursión de Kenneth Branagh en el universo de los estudios Marvel. Cuando pienso en esto no paro de preguntarme: ¿Por qué? A quien se le ocurrió la idea de que un artesano del cine y el teatro cuyo estilo más característico son las obras de Shakespeare (Hamlet y Enrique V) y las películas pequeñas de bajo presupuesto al estilo de la Nouvelle Vague (Los amigos de Peter), podría estar a la altura de los mejores directores de la casa Marvel como Jon Favreau (Iron Man).

Que el trasfondo de Thor sea un rey que destierra a su hijo y que luego su otro hijo trate de hacerse con el poder en el reino y matar a su hermano no significa que sea un producto ideal para Branagh. Thor no es una mezcla entre El rey Lear y Ricardo III, sino un “Superman” con algo más de profundidad en su historia y personajes.

Con respecto a la película en sí me parece que su principio es prometedor, pero se va desinflando poco a poco (al igual que con el tiempo se hundió el reinado de Macbeth), salvo algunos bien planificados y elegantes movimientos de cámara que le sirven a nuestro director para lucir el 3D y demostrar que ha aprendido a usar los efectos especiales con soltura e ingenio. Todo es tridimensional en la película, excepto la actuación de Chris Hemsworth (Thor), a veces plana, a veces sin nada. El resto del reparto esta correcto y bien situado en sus papeles como Anthony Hopkins y Natalie Portman.

Branagh dirige correctamente sin sorprendernos esta adaptación, cuyo problema no es el estilo de la dirección (solvente y sin desviarse del estilo Marvel), sino su guion y un superhéroe que es el Superman de Marvel, sin ningún interés propio. Como se nos indica al final de la cinta, la película no es más que una bisagra hacia esa otra película que cada vez me apetece menos, `Los vengadores´.

Mientras tanto, para olvidarnos de la indiferencia que nos produce Thor, deberíamos volver a ver Enrique V y Hamlet, para recodar que Branagh es y siempre será un auténtico Dios del teatro y el séptimo arte.

Happy thank you more please

Josh Radnor protagonista de cómo conocí a vuestra madre (sin duda una de las mejores y mas logradas sitcoms de la televisión) da su gran salto a la gran pantalla como guionista/director y actor con esta comedia Indie de excelente factura y que además goza de una credibilidad admirable.

Radnor nos sumerge en tres historias cruzadas sobre neoyorquinos treintañeros que buscan a través del amor la manera de encontrarse a ellos mismos y su lugar en el mundo. Radnor expresa sentimientos de soledad y vacío hacia mundo en el que viven sus personajes y las maneras que tienen de llenar sus vidas de felicidad. Esto último es importante ya que Happythankyoumoreplease es ante todo un canto al optimismo y a la felicidad.

El debut de Radnor esta secundado por personajes creíbles interpretados a la perfección por: Zoe Kazan, Pablo Schrieber, Kate Mara, entre otros. Aunque el personaje de Radnor (Sam) podría considerarse una extensión de su personaje en Como conocí a vuestra madre (Ted). Su estilo y buenas formas convierten a la película en el arquetipo perfecto de cine independiente americano. Sin olvidar ciertas influencias como 500 días de verano de Marc Webb (comedia romántica de 2009), así como cierto aire al Woody Allen más puro y cosmopolita (neoyorquinos que dudan sobre el amor y la gran ciudad de Nueva York siempre presente como un protagonista más).

La banda sonora de la cantante Indie pop Jaymay se une con la película de tal manera que consigue dotar de ritmo y elegancia a algunas de las mejores escenas del film. En definitiva Radnor promete y mucho, habrá que estar atentos a su carrera como cineasta.

En un mundo mejor

La película de Susane Bier tratada dos historias que se desarrollan dentro de la misma familia pero en lugares opuestos del planeta. Una tiene lugar en Dinamarca, es la historia de un niño que sufre abuso escolar por parte de sus compañeros, por lo que él y uno de sus compañeros llevados por la presión y ante la pasividad de sus mayores comienzan a reflexionar sobre la situación y a entender el ojo por ojo como única forma de acallar el comportamiento abusivo de aquellos que creen que por violentos el mundo les pertenece. La otra historia se desarrolla en un país africano, un médico danés se encuentra ayudando en un campo de refugiados de guerra, tratando de curar las heridas provocadas por los tiranos de la zona, que impunemente campan a sus anchas matando a mujeres y niños.

Ambas historias están muy bien tratadas, aunque tengo la sensación de que Bier nos quiere centrar más en la historia sobre el acoso de los niños y su sentido de la justicia, como si quisiese mandar el mensaje de que si no se escucha y ayuda a los jóvenes, no podemos hacer nada frente a las injusticias provocadas en África por personas impasibles que frente al dialogo son incapaces cambiar su perspectiva ya que esta no fue transformada cuando debería.

La película resulta dogmática en algunos aspectos, aunque por suerte solo se queda con la mejor parte que el cine dogma ha sabido aportar al arte cinematográfico: Su verosimilitud y credibilidad en las historias, para hacerlas cercanas y conmovedoras. Esta para mi es la única ventaja del Dogma95, ya que sus normas técnicas de realismo cinematográfico son absurdas y sin sentido. Digo esto porque creo que el cine debe resultar conmovedor y creíble, pero a la vez diferente a la realidad usando las armas de la ficción.