V de Vendetta. Cine con mayúsculas

En un futuro no muy lejano Gran Bretaña está sumida en el terror y el miedo creado por una dictadura totalitaria. Una noche tras el toque de queda nocturno la joven Evey (Natalie Portman) es rescatada del ataque sufrido a manos de los Dedos (la policía secreta del régimen) por V (Hugo Weaving) un justiciero enmascarado que trata de acabar con el régimen para liberar al país de la opresión y para vengarse por lo que le hicieron en el pasado. Según la filosofía de V para liberar al pueblo de la tiranía hay que despertarlo de su falsa armonía. La manera de hacerlo es volar el edificio del Parlamento como símbolo de que las cosas pueden cambiar.

Entonces se nos plantean las siguientes preguntas: ¿La manera más efectiva de acabar con la violencia y opresión es engendrando más violencia? ¿La violencia al servicio de la humanidad está justificada? ¿Unos pocos deben morir como daños colaterales para salvar a muchos?

Estas preguntas hicieron que la adaptación al cine del comic V de Vendetta fuese polémica y controvertida. Creo que esta película no debe ser tomada al pie de la letra como un modelo político, ni filosófico. Prefiero apreciar la grandeza de V en su calidad de buen cine de acción, más que en una película política con todas las consecuencias que eso conlleva. Aunque no me gustaría restar importancia al trasfondo político de la película ya que eso le hace tener personalidad y convertirla en una película llena de personajes e inteligencia. Este tipo de trasfondos inteligentes por el que se mueven los personajes pueden hacernos apreciar esta clase de películas de acción como algo más que los productos hollywoodienses de turno, podemos llegar verlos como cine con mayúsculas. Este es el caso de Watchmen (Zack Snyder 2009) en la que nos encontramos con el trasfondo político de la guerra fría o El caballero oscuro
(Christopher Nolan 2008) en la que se nos plantea el precio que estamos dispuestos a pagar por salvar a nuestros seres queridos del caos total.

Creo importante destacar que en otros aspectos referidos a la película es prácticamente perfecta y redonda. Todo en V funciona a la perfección como un reloj y te guía a un buen ritmo por la historia. Puedes disfrutar de unas secuencias de acción espectaculares e increíblemente bien realizadas, a la par que puedes emocionarte cuando se cuenta con maestría la historia de dos mujeres que vieron con ojos inocentes como el país se sumía en el terror para posteriormente ser separadas y ejecutadas solo por ser pareja.

En cuanto al guión adaptado por los hermanos Wachowski no deja tener elementos de su película Matrix, pero adaptando con elegancia el comic contándote lo que necesitas saber para entender la historia. En definitiva cine en estado puro con el impresionante y admirable debut de su director James McTeigue.

O Brother. La mejor comedia de los Coen

Los hermanos Coen siempre consiguen dotar de brillantez y perfección estética a todo lo que tocan, este es el caso de O Brother, una comedia esperpéntica en la que con gran maestría adaptan La Odisea de Homero y la llevan a su terreno.

En la película en lugar de a Ulises tratando de volver a casa tras la guerra de Troya, nos encontramos ante un trio de presos encabezados por Ulises (George Clooney) que escapan encadenados de la prisión y deben aventurarse por el Estado de Misisipi durante los años treinta para recuperar un tesoro escondido.

O Brother continúa el perfeccionamiento del poderío visual que los Coen iniciaron en su película anterior `El hombre que nunca estuvo allí´. Posee grandes detalles visuales sacados de clásicos del cine o de los tópicos sobre el sur profundo de Estados Unidos. En O Brother abundan los clásicos personajes estrambóticos propios de la mitología de los Coen, el niño con una escopeta que amenaza con matar a los del censo si se acercan a la finca, un oportunista vendedor de Biblias (John Goodman) y el gánster "Nelson Cara de niño".

Las diversas situaciones no dejan de ser alegorías a La Odisea de Homero, el encuentro con unas mujeres que cantan mientras lavan su ropa emula claramente al encuentro de Ulises y los griegos con las sirenas en una isla perdida. También es memorable el momento en el que nuestros presos fugados se encuentran en medio de una de las reuniones secretas del Klu Klux Khan por la noche.

Me quedo con la excelente fotografía del maestro Roger Deakins dando un estilo de imagen propio a la película con un tono cercano al sepia. Una soberbia banda sonora (ganadora de un premio Grammy) compuesta por música country, en la que destaco la canción que Ulises y su banda cantan al final. Y no menos memorable es la interpretación de George Clooney como Ulises, ese estafador con labia al que incluso en plena huida de la policía, lo único que le preocupa es mantener su pelo peinado y engominado con loción capilar.

En definitiva considero que las nominaciones a los Oscar conseguidas por esta película en las categorías de mejor fotografía y mejor guión adaptado están más que merecidas.

Una película increible

Si Azuloscurocasinegro era buena Gordos es aún mejor, tanto visual como dramáticamente. Con Gordos Daniel Sánchez Arévalo ha conseguido pasar de joven promesa del cine español a un director con un talento indudable.

Ayer fue la tercera vez que volví a ver Gordos y no puedo hacer otra cosa que rendirme ante su discreto encanto de comedia dramática sobre las apariencias en la sociedad actual. Cinco historias alrededor de una terapia para personas con problemas de peso. Un presentador que era la imagen de unas pastillas para adelgazar (Antonio de la Torre), un policía obeso temeroso de no llegar a cumplir los cincuenta debido a su peso, una ingeniera de telecomunicaciones que empezó a engordar cuando su novio se fue por trabajo a Los Ángeles, una chica que comenzó a engordar cuando empezó a salir con su novio ya que él come mucho pero no engorda y el propio terapeuta incapaz de mirar a su novia mientras ella está embarazada.

Poco a poco estas historias se van completando y crean un maravilloso retrato sobre las obsesiones de la sociedad por las apariencias. La necesidad de encontrarse a gusto con uno mismo y no dejarse llevar por las apariencias es el principal mensaje de Gordos, ya que como dice el terapeuta al comienzo de la terapia: “Estoy aquí para ayudar a la gente a sentirse bien consigo misma no para ayudarla a adelgazar”.

De la película me quedo con un estupendo e increíble guión. Una estética personal como ya demostró en Azuloscurocasinegro y en sus anteriores cortometrajes. Un talento visual impactante al nivel de la maestría estética del último Almodóvar (Los abrazos rotos y Volver), unos planos bellamente realizados, un uso fluido y elegante de la cámara le sirven a este `Enfant terrible´ para guiarnos por las diferentes historias. Una fotografía lucida y vanguardista con un magnifico uso de las lentes focales para centrarnos la atención en los correspondientes personajes. Finalmente destacar la brillante interpretación del más que soberbio Antonio de la Torre en su papel de homosexual obeso, me quedo con su frase: “Lo cierto es que siempre he sido un heterosexual reprimido”.

Actualmente Daniel Sánchez Arévalo se encuentra realizando su tercer largometraje de nombre Primos, basado en la historia de sus cortometrajes. Ante esta noticia solo puedo esperar con ansia su nuevo largo y decir: “Tócala otra vez Daniel”.

Mi primer reportaje fotográfico

Un reportaje fotográfico por las calles de la increible Barcelona. Aunque mi talento como fotografo es muy limitado (por no decir inexistente) he intentado realizar el reportaje lo mejor que he sabido. Espero que os guste.


P.D Probablemente en color el reportaje seria mas vistoso, pero debido a la luz del sol demasiado fuerte en algunas fotografias hacia imperceptibles algunos detalles en las fotografias. Espero hacer el siguiente reportaje en color.

Shutter Island

Inquietante, oscura, poética. Así definiría yo a la última y brillante creación de Martin Scorssese, un thriller psicológico en el que con aires de best-seller se cuenta la historia del inspector de policía Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) y su compañero (Mark Ruffalo) a los que se les encarga la misión de ir a investigar la desaparición de una paciente en un hospital psiquiátrico de máxima seguridad en una isla cercana a Boston llamada Shutter Island, pero pronto lo que parecía una investigación rutinaria se convertirá en una pesadilla en la que todo el mundo parece conspirar contra el inspector Daniels, mientras que los fantasmas de su pasado comienzan a atormentarle. Como telón de fondo la américa de 1954 en la que la guerra fría y la lucha anticomunista mediante el lavado de cerebro están presentes en todo momento.

Scorssese da vida a esta magnífica producción en la que abundan los momentos de cine en estado puro, olvidándose del estilo utilizado en su anterior y más que sobrevalorada película Infiltrados, en mi opinión mediocre y vacía de interés.

El equipo artístico es espectacular, encabezado por el magnífico Leonardo DiCaprio que con su interpretación contenida de un hombre atormentado sabe transmitir todas las emociones necesarias para comprender el viaje de un hombre torturado por un pasado que le persigue. El elenco de secundarios es increíble con el increíble Ben Kingsley en el papel de director del psiquiátrico y la leyenda de la pantalla Max von Sydow en el papel de misterioso psiquiatra alemán.

La planificación visual de Scorssese es elegante y poética, creando esa estética inquietante de la mano unos planos bellamente realizados y una fotografía sombría con voz propia y todo esto sin caer casi nunca en el efectismo y en los tópicos del género. Todo esto genera una tensión en el espectador y no dejas de pensar que en cualquier momento un medico aparecerá por la espalda te clavara una inyección.

Destacan la banda sonora compuesta por una increíble selección de piezas de compositores contemporáneos entre las que destacaría el Cuarteto para cuerda y piano en A menor de Gustav Mahler. Me encanta esta pieza ya que esta pieza brilla por si sola y proporciona una fuerza visual y emocional increíble a la escena en la que Teddy recuerda cuando durante la guerra libero el campo de concentración de Dachau y los americanos encontraron todas las atrocidades cometidas por los nazis.

Por todo esto considero a Shutter Island una de las mejores películas de Scorssese en años.

Origen(Inception)

Tres niveles de realidad, un pasillo que comienza a girar sobre su propio eje y una ciudad que se pliega sobre sí misma. Estas son las cosas que me vienen a la cabeza al pensar en Origen la última y revolucionaria película del gran Christopher Nolan.

Parece que este enrevesado guión ya llevaba gestándose en la mente de Nolan desde su etapa universitaria en la que rodo su cortometraje Doodlebug. En el corto se ve a un hombre con un matamoscas persiguiendo y tratando de matar a una versión más pequeña del mismo, y cuando consigue matar a su yo reducido sobre la habitación aparece una versión más grande de él que lo aplasta también con un matamoscas. Me atrevería a suponer que de aquí surgieron los tres niveles de realidad.

En Origen Nolan cuenta la historia de Cobb (Leonardo DiCaprio) un hombre que injustamente es acusado del asesinato de su esposa, por lo que se ve obligado a separarse de sus hijos y a utilizar su habilidad como extractor de ideas en los sueños al servicio del mejor postor. Un día un poderoso empresario (Ken Watanabe) le ofrece la posibilidad de volver junto a su familia si realiza un último trabajo, solo que esta vez no consistirá en robar una idea, sino en introducirla aunque Cobb lo tenga todo planeado las cosas se complicaran en el mundo onírico para él y su equipo.

Nolan vuelve a demostrar su capacidad como ya lo hizo en El caballero oscuro de crear un “blockbuster de autor”. Esto significa que Nolan es capaz de crear buenas historias a buen ritmo que no decaigan, pero también dotando a sus personajes de profundidad, complejidad pero ante todo dejando su sello personal, como la ruptura temporal y la profundidad psicológica de sus tramas, lo que permite que en el cine de Nolan puedas quedarte con la trama psicológica o con los elementos de acción de aventura, o con los dos.

Si algo encuentro fallido en Origen es que debido a la alta complejidad del guion la trama sentimental me resulta en ocasiones poco creíble y accesoria, pero de alguna manera necesaria para comprender el viaje de Cobb.

Como buen alumno de la escuela Spielberg Nolan despliega su talento como contador de complejas historias con su elegante estilo de cámara y montajes trepidantes en los que se mezclan varias secuencias al mismo tiempo. La increíble banda sonora compuesta por Hans Zimmer se funde con la película creando una bestia perfecta que te hace pensar en la música como en una voz más de la historia. No menos tiene que decir el gran diseño de producción construyendo las ciudades y edificios de los sueños inspirándose en el expresionismo y en la arquitectura clásica. Wally Pfister crea una fotografía que más que lucirse por sí misma busca contar la historia.

Balada triste de trompeta. Obra maestra

Siempre he considerado a Alex de la Iglesia como un director con un talento visual increíble, unos guiones que te sorprenden por su originalidad y te cortan la respiración en su desarrollo. Todo esto no hace más que confirmarse en esta Balada triste de trompeta.

La película comienza en el Madrid de la Guerra Civil. De la Iglesia nos guía por una trepidante secuencia de batalla cuerpo a cuerpo entre nacionales y republicanos, y de por medio, un payaso con un tutu rosa (Santiago Segura) combatiendo con un machete. De esta magnífica secuencia somos trasladados al año 1973 (justo antes de la Transición), con un payaso triste (Carlos Areces) trabajando en un circo con el payaso tonto (Antonio de la Torre), ambos enamorados de la chica de la tela (la espectacular Carolina Bang) que es la mujer del payaso tonto . El payaso tonto es un psicópata que maltrata a su mujer, esto hace que el payaso triste decida defenderla, lo que creara un conflicto fatal entre ambos y hará que el payaso triste olvide quien era.

Sin duda la mejor película de Alex de la Iglesia, mezcla sentimientos, risas macabras y terror de una manera perfecta y admirable. El reparto es espectacular, con un genial Carlos Areces, el descubrimiento de Alex de la Iglesia de esa increíblemente sexy Carolina Bang en su papel de trapecista masoquista y por ultimo ese gran actor que ya me deslumbro en Gordos y en Azuloscurocasinegro llamado Antonio de la Torre en su papel de payaso tonto que aunque cariñoso con los niños cuando esta fuera del escenario es un psicópata sin compasión.

La estética de Balada triste es poderosa, con una espléndida fotografía que recuerda a un comic con un exquisito diseño. Los payasos nos sirven como metáfora para ver las divisiones en un país de envidiosos en el que lo que todo el mundo quiere hacer es reírse de las desgracias ajenas como un payaso, a veces tonto por reír y otras triste por sufrir las desgracias con las que otros se divierten. Y como telón de fondo esa España hortera de los setenta. En definitiva su mejor película que vuelve a los origenes de El dia de la Bestia, perfecta por su imperfección, hecha desde las entrañas y sin concesiones ni indiferencia. Puro Alex de la Iglesia. Pura obra maestra.

Hamlet de Kenneth Branagh

Hamlet príncipe de Dinamarca recibe la visita del fantasma de su padre El Rey, el cual le anuncia que su muerte no ha sido natural como todos creen, sino un vil asesinato planificado y ejecutado por su ambicioso hermano quien acaba de casarse con su madre y ocupar el cargo de su padre. Hamlet jura que no descansara hasta que consiga vengarse de su tío, por lo que decide fingir locura o como el mismo lo denomina "locura por astucia", esto generara intrigas y tensión en la corte de Dinamarca.

El clásico de Shakespeare nunca había estado en mejores manos que en las de Kenneth Branagh, quien consigue convertir esta adaptación cinematográfica de la obra en una verdadera obra maestra. La adaptación de aproximadamente cuatro horas de duración, es la mas larga jamás rodada sobre la obra de Shakespeare, sin embargo Branagh consigue crear una adaptación con ritmo, bien estructurada, con un reparto magnifico lo que hace que disfrutemos de esta adaptación como pocas veces se ha conseguido y que lo que más temamos es que termine la película.

Branagh apodado como "el nuevo Laurence Olivier" interpreta a Hamlet de una manera magistral, contrayendo el personaje (tantas veces interpretado por otros) de una manera única otorgándole su presencia y su voz. No solo Branagh brilla en la película, los secundarios bien situados en sus personajes son increíbles, como Kate Winslet en el papel de Ofelia, Derek Jacobi en el papel del tío de Hamlet y un sorprendente Billy Crystal en el pequeño papel de sepulturero.


El uso por parte de Branagh de los travellings circulares, le permite combinar la unidad del ambiente teatral con la estética cinematográfica de los personajes. La producción del film es elegante y pulida hasta la medula. Con una estética propia, entre la era Shakesperiana y la época napoleónica, Branagh nos deslumbra realizando unos complejos travellings y planos sumamente elegantes mientras los personajes se mueven y hablan entre ellos por los salones del palacio tan cuidadamente diseñados . En estas cuatro horas de tragedia Shakesperiana, Branagh nos deslumbra con su apabullante talento, siendo destacable el encuentro en el cementerio entre Hamlet (Branagh) y el sepulturero (Billy Crystal). Todo ello acompañado por la genial banda sonora compuesta por Patrick Doyle.

Macht Point

Las luces se apagan y comienza la película. Observamos un campo de tenis, sobre la red vemos una pelota moviéndose de un lado a otro del campo, una voz en off nos introduce en la historia: "En un partido de tenis hay un momento en el que la pelota choca contra la red y durante una milésima de segundo la pelota se paraliza en el aire, si la pelota continua hacia adelante ganas, pero puede no hacerlo y pierdes. Mucha gente no cree en la suerte, les asusta pensar que gran parte de la existencia depende del azar".

Este es el inicio de Macht Point, uno de los mejores y mas logrados guiones de Woody Allen en los últimos años junto con Melinda y Melinda. Macht Point esta ambientada en el Londres actual situando como marco narrativo a una familia de clase alta inglesa. Chris Wilton (Jonathan Rhys Meyers), un ambicioso y joven profesor de tenis, que poco se va introduciendo en la élite de la sociedad londinense. Gracias a su amistad con Tom Hewett (Matthew Goode), Chris consigue introducirse en su adinerada familia y enamorar a su hermana Chloe (Emily Mortimer). Todo parece ir bien para Chris, hasta que se enamora de Nola (Scarlett Johansson) la novia de Tom una atractiva americana aspirante a actriz. Todo esto hará que la fácil y tranquila vida de Chris en la elite londinense se complique debido a su romance con Nola.

Macht Point puede ser acusada de ser una película fría y maniquea debido a la pretendida perfección de la que Allen dota a la cinta, y puede ser cierto. Pero sus elegantes formas, la intriga y tensión que recuerdan a la novela El talento de Mr. Ripley de Patricia Highsmith, hacen de Macht Point no una obra maestra como la denominaron algunos si no una buena película que se disfruta de principio a fin. La originalidad de la que Macht Point fue acusada es cuestionable, ya que Allen contó una historia muy similar en Delitos y faltas, protagonizada por Alan Landa. A destacar también la excelente selección musical compuesta en su mayoría por piezas de opera italiana y la increíble interpretación que Scarlett Johansson realiza de mujer fatal demostrando aquí su talento como actriz. Por ultimo pero no menos importante la inteligente y sutil metáfora que Allen nos muestra entre la pelota de tenis y la suerte, metáfora de la cual comprendemos su porque al final de la película.

Sin City

Si vemos Sin City varias veces en cada visionado podremos descubrir algo nuevo de lo que no nos habíamos percatado anteriormente. Como toda obra maestra Sin City puede y debe verse mas de una vez para poder disfrutarla como lo que es, una joya del cine negro.

En el comic de Frank Miller (también director de la película junto con Robert Rodríguez) se refleja una ciudad corrupta sumida en la oscuridad. La historia de la ciudad se cuenta mediante tres historias cruzadas que encuentran su punto de encuentro en un bar de mala muerte, aunque no tienen una conexión directa entre ellas.

La película se inicia con un prologo que nos acerca a un asesino a sueldo (Josh Hartnett) que se encuentra a punto de matar a una prostituta.

La primera historia y en mi opinión la mejor de las tres. Cuenta la historia de Hartigan (Bruce Willis) uno de los pocos policías honrados que hay en la ciudad, este debe detener el asesinato de una niña a manos de el perturbado hijo de un senador. Pero debido a la corrupción de la ciudad el hijo del senador sale libre y Hartigan es condenado en su lugar.

La segunda historia tiene como protagonista a un matón de poca monta (Mike Rourke) que despierta con el cadáver de la prostituta con la que había pasado la noche, decide vengar su muerte ya que se había enamorado de ella y descubrir quien la tendió la trampa.

La tercera historia (con el sello de Robert Rodríguez), narra la historia del barrio de las prostitutas (Old Town) y de como deben deshacerse de los cadáveres de un policía que había muerto allí, ya que si la policía lo descubre se romperá la paz que habían conseguido entre ambos bandos.

La ultima parte de la peílcula cuenta el final de la primera histortia. Tras ocho años Hartigan sale de la cárcel y encuentra a la niña que salvo (Jessica Alba), para protegerla de el hijo del senador que busca venganza por lo sucedido años atrás.

Aunque todas las historias de Sin City son un poco tópicas están bien contadas visualmente y la fotografía en blanco y negro mezclada en algunos casos con color por ejemplo: el rojo de la sangre o para expresar momentos mas emocionales. La estética de comic de la que se consigue impregnar a la cinta no esta exenta de elogios. Tarantino colabora ofreciendo su poderío visual en algunas escenas como director invitado, deleitándonos con su visión cinéfila de la violencia siempre tan personal.

En definitiva Sin City es el coctel perfecto de acción, con unos tiroteos y persecuciones trepidantes. Pero también esta respaldada por un gran guión con unos personajes bien diseñados e interpretados.

Amores perros

La historia de unos jóvenes que se ganan la vida apostando con su pitbull en peleas de perros clandestinas, una modelo española que ve truncada su carrera debido a un accidente de coche, la historia de un asesino a sueldo que busca la manera de pedir perdón a su hija por haberla abandonado. Estas tres historias entrelazadas contadas por capítulos se van dejando entender según avanza la película ya que en cada capítulo vemos destellos de las otras historias. Finalmente todas las historias encuentran una conexión entre si unidas por un accidente de tráfico.

Esta original manera de estructurar la película hace que veamos en Amores perros tanto un sólido guión confeccionado por Guillermo Arriaga como un gran pulso en la dirección a la hora de estructurar las historias por parte de su director Alejandro González Iñiarritú.

El marco donde se desarrollan todas las historias de Amores perros es el México de los suburbios, aquí observamos las desgracias de unos `personajes condenados a la sordidez. Y es que esta es la mejor manera de definir Amores perros: Una obra maestra sórdida. En su opera prima Iñiarritú perfecciona su estética, teniendo esta un peso importante en la película. El uso de una fotografía quemada, similar a la utilizada en la película de Steven Soderbergh Traffic.

El hecho de que todas las historias encuentren su punto de unión mediante un accidente, a pesar de ser un recurso manido, aquí encaja a la perfección. El accidente hace que nos preguntemos hasta que punto estamos todos conectados y de como un hecho que sucede a cuatro manzanas de donde se encuentra una persona le puede acabar afectando a el aunque no tenga una relación aparente con el accidente, para que despues este hecho cambie su vida por completo.

Allen. El genio interminable.

Sonara raro para aquellos que me conozcan el que haya tardado tanto en escribir sobre el neoyorquino más famoso de la historia del cine. Por eso en este artículo procurare poner mi ya demostrado escaso talento como escritor para analizar y contar la historia de este brillante y prolífico director.

Si echamos una mirada atrás en la filmografía de Allen podremos comprobar que desde el año 72 ha ido a un frenético ritmo de film por año (salvo la excepción de algún año el que ha hecho dos películas) y es que Woody Allen es de esa clase de directores que como el mismo afirma: “Si no pudiese rodar, tendría que suicidarme. No tengo vida mas halla de eso”. En mi opinión este hecho hace que Allen no pueda ser considerado como un genio y artesano del séptimo arte. Por otro lado este frenico ritmo hace admirable la capacidad de escritura y producción de Allen.

Allen comenzó su filmografía con una marcada inspiración en los hermanos Marx (con especial mención a Groucho). En esta etapa Allen se preocupa mas por el gag y el chiste fácil (ya que era un conocido cómico en los escenarios de Nueva York). En películas como Bananas o su opera prima `Toma el dinero y corre´ parece no ser capaz de asumir el rol de director, aunque su labor como guionista es brillante. Hasta la que sera la ultima película de este periodo `La ultima noche de Boris Grushenko´. Película en la cual consolida el personaje creado anteriormente, el patoso neurótico intelectual (interpretado por el mismo). En el film parodia todas las cosas que admira, desde Bergmann hasta la literatura rusa de Tolstoi. Esta es para mí su comedia gamberra mas perfecta y estilizada, marcando el final de esta etapa.

En el 77 con Annie Hall empieza a ser consciente de su papel de director. Esta es hasta cierto punto una película autobiográfica que habla de las relaciones personales y muestra su desprecio por la ciudad de Los Ángeles, demostrándolo cuando el personaje de Allen dice: “Aquí no tiran la basura, la convierten en programas de televisión”. En el film hay todavía algo de humor gamberro, pero aquí ya se ha plantado la semilla del futuro Allen. Cabe destacar de Annie Hall la brillante interpretación de Diane Keaton como Annie.

Con Manhattan da mas prioridad a la estética que a la historia, siendo una declaración de su amor por Nueva York. La fotografía en blanco y negro es sumamente elegante, Diane Keaton y los secundarios estan esplendidos.

En los años posteriores a Manhattan Allen se sume en un vacío creativo al tratar de ser un Bergmann americano realizando películas como September y Otra mujer. A su periodo bergmaniano podríamos achacarle la creación de películas de escaso contenido e interés como Sombras y niebla o La comedia sexual de una noche de verano.

Pero en los noventa sus comedias tienen un planteamiento fresco y original, siendo las más destacadas Balas sobre Broadway y Acordes y desacuerdos (protagonizada por un brillante Sean Penn).

Actualmente Allen muestra mayor interés por la comedia dramática con contenido moral más alto del que estamos acostumbrados a observar en su filmografía. Match Point demuestra esto siendo un drama altamente sobrevalorado. Pero en esta etapa también podemos observar películas interesantes y con gancho: Scoop, Si la cosa funciona o Conocerás al hombre de tus sueños son un buen ejemplo de que Allen sigue teniendo talento para la comedia.

Allen ha conseguido sin lugar a dudas ser uno de los personajes mas populares y prestigiosos de nuestro tiempo ya que todas las grandes estrellas de Hollywood están dispuestas a reducir sus sueldos millonarios por trabajar con el. Y aunque podríamos recriminarle muchas cosas por realizar una película anualmente, pero nunca podremos negar que ese momento en el cine cuando se apagan las luces y comienzan los títulos de crédito con esa música de Jazz clásico americano es pura magia.

Two Lovers

Two Lovers cuenta la historia de Leonard (Joaquin Phoenix), un joven neoyorquino que sufre un trastorno bipolar. Leonard lleva una vida tranquila viviendo y trabajando con sus padres. Su vida cambia cuando conoce a Sandra (Vinessa Shaw) la hija de uno de los socios de su padre con la que comienza a salir. Pero poco después su vida da un vuelco tras la llegada de su nueva vecina Michelle (Gwyneth Paltrow) de la que se enamora al instante.

Esta comprometida situación hace que Leonard deba pensar que camino tomar, si se queda con Sandra será únicamente para garantizar la estabilidad económica de su familia ya que realmente no siente un amor sincero por ella. Leonard ama a Michelle pero con ella no obtendría la estabilidad que el necesita, ya que Michelle es una drogadicta enamorada de un hombre casado.

Two Lovers inspirada en la novela Noches blancas de Dostoievski nos plantea ese conflicto universal entre aquello que necesitamos para tener una vida “socialmente aceptable” y lo que amamos y deseamos realmente. Estos dos caminos se cruzan y chocan en esta película dirigida por James Gray que ya demostró pulso en la dirección con la película Little Odessa.

La situación y el tiempo en el que se desarrollan Two Lovers. El ambiente familiar de un barrio neoyorquino en los años dos mil. Sigue la filosofía de Tolstoi: Contando la historia de un pueblo estas contando la historia del universo. También recuerda al mejor Rohmer, contando historias sencillas y cotidianas. En Two Lovers podemos encontrar cierto espíritu de la Nouvelle Vage francesa.

Gray dirige con maestría esta pequeña historia con una estética propia y una puesta en escena que recuerda al Woody Allen más dramático. Macht Point y Delitos y faltas son algunos ejemplos de esto.

Cine clásico y moderno ¿el tiempo dignifica?

El tema que quiero tratar en este articulo es la situación del cine actual frente a los clásicos que todos admiramos y disfrutamos. Este articulo esta dedicado a todos aquellos que muestran su preocupación por la desaparición de los grandes genios del cine aún vivos (Allen, Eastwood, Spielberg, Scorssese).

A muchos nos preocupa la proliferación cada vez mayor de anuncios de películas precocinadas y hechas a medida. Muchos de estos productos vienen de un Hollywood que nos hace recordar con nostalgia su era dorada. Sin embargo ¿el buen cine tal y como lo conocemos a muerto? Analicemos la situación.

Sin duda el cine clásico como en todos los artes que le han precedido (pintura, arquitectura, etc.) jugaba con una ventaja, estaba en sus comienzos por lo que ser original e innovador era mas fácil. Por el contrario hoy en día la creatividad es mas difícil de encontrar. Como siempre que se dice: ¡Vaya he tenido una idea genial! A lo que se le responde: No, ya hay una película coreana que es igual. Probablemente de esta película coreana nadie sabe nada, hasta que los americanos la compran y hacen un remake que se distribuye en todo el mundo, y son ellos los originales.

El problema es que los grandes estudios no buscan arriesgarse y deciden hacer remakes, que ya tienen un publico seguro. Incluso pueden jugar con los cinéfilos poniendo en el proyecto a un director de prestigio para que la gente diga que es buena.

Casi todas las historias están contadas, ahora lo importante no lo que cuentas sino como lo cuentas. El papel del guionista esta cayendo a favor del director. Lo que no significa que ya no se puedan hacer buenos guiones.

El tiempo dignifica. En los sesenta Hitchcock era acusado de ser un director comercial, hasta que Truffaut y otros críticos franceses lo reivindicaron como a un autor. Es mas los grandes actores de la época no querían trabajar en películas de suspense ya que no eran consideradas como buenas. Hoy en día esas películas se estudian en las escuelas de cine como ejemplos de genialidad.

Actualmente el peso de realizar lo que llamamos buen cine en Hollywood recae sobre: Sam Mendes (director clásico, proveniente del teatro) sobre su segunda película Camino a Perdición se dijo que era la mejor película de gángsters desde El padrino. Mendes se encuentra a caballo entre el cine de autor y el comercial. Por otro lado tenemos a Christopher Nolan. Heredero de Kubrick. Nolan siempre críptico y personal demostró su genialidad con El caballero oscuro. Realizando lo que se llamo “El Blockbuster de autor”.

Al otro lado del océano se encuentra el cine europeo, basado en pequeñas historias que muestran la mirada de su autor. Europa va ganando poco a poco terreno a Hollywood gracias a su creciente prestigio. Finalmente en España se esta viviendo un cambio gracias a directores como Amenábar y Bayona. Estos directores suelen provenir del thriller y cuentan historias pequeñas muy europeas, pero de una manera muy americana. El cine español mejora aunque no soporto la frase: No parece española. Ya que en España ha habido buenas películas durante mucho tiempo.

En resumidas cuentas. Debemos darle tiempo al cine actual para que encuentre su lugar.

American Beauty

La opera prima de Sam Mendes habla sobre una sociedad en la que se vive "el sueño americano". Pero tras la fachada de felicidad en la vive a familia Burnham, en un apacible y típico barrio americano se refleja la verdad. Lester (Kevin Spacey) esta insatisfecho, atrapado en un estilo de vida con el que no se siente a gusto. Su mujer Carolyn (Annette Bening) se esfuerza por mantener la imagen de que son la perfecta familia americana.

Lester vuelve a sus sueños de juventud e inconformismo cuando se enamora de una de las amigas de su hija, esta vuelta a su juventud le hace dejar su trabajo que siempre odio para empezar a trabajar en una hamburguesería y como dice Lester en la entrevista: Quiero el trabajo con la menor responsabilidad.

La infelicidad en un ambiente que supuestamente debería ser feliz, pero que es perjudicial para sus personajes es el eje central sobre el que gira toda la película. Como dice la voz en off de Lester al comienzo de la película: Este soy yo masturbándome en la ducha, a partir de aquí todo es cuesta abajo.

El contra punto de Lester lo representa su nuevo vecino, un conservador coronel del ejercito (Chris Cooper), el cual mantiene la supuesta perfección en su hogar con la diferencia de que el cree firmemente en esa mentira.

El uso de la banda sonora de Thomas Newman compuesta principalmente por música con instrumentos de percusión y un piano, hace que la película nos conmueva profundamente.

Creo que American Beauty es una película profundamente filosófica, que habla de perseguir nuestros sueños por encima de todo, encontrar lo que llamamos belleza en nuestras vidas, no lo que la sociedad nos ofrece y hace que lo tomemos como felicidad.

Los hermanos Coen y la genialidad cinematográfica

La aparición del primer trailer de la nueva pelicula de los Coen, True Crit, remake del clásico protagonizado por John Wayne, me ha hecho pensar acerca del talento y la grandeza visual de estos dos personajes que realizan sus films a cuatro manos.

Joel y Ethan Coen son de esa generación de cineastas cinéfilos que pasaron su infancia en las salas de proyección, al igual que su coetáneo Quentin Tarantino. Esto también se nota en sus primeros trabajos en el cine ya que Ethan trabajo como montador en películas de Sam Raimi como Posesión Infernal.

Su estilo tan personal y tragicómico, comenzó a fraguarse con su primera pelicula Sangre Fácil, película independiente de bajo presupuesto que juega con los tópicos del genero de gansters, con una estética muy oscura.

Su siguiente película Arizona Baby es una comedia atrevida y polémica. Los Coen cuentan una disparatada historia sobre un hombre que debido a que el y su mujer no pude tener hijos se ve obligado a robarle los hijos recién nacidos a un rico y millonario propietario de unos almacenes.

Su filmografía evoluciona con gran pulso gracias a la creación de una magnifica película de gansters, Muerte entre las flores. Es una pelicula sobre las luchas entre bandas italianas e irlandesas durante la ley seca. Los personajes aquí están bien interpretados y caracterizados. Mezclando en la realización clasicismo y su humor negro mas personal.

Para mi su filmografía puede dividirse en dos categorías, la comedia absurda y estrambótica representada principalmente por El gran Lebowski y Arizona Baby. En el otro lado tendríamos el reflejos mas clásico y oscuro de la América profunda, representada por Fargo y No es país para viejos (película con la que finalmente lograron el oscar como mejores directores).

En definitiva los Coen se caracterizan por basarse en guiones aparentemente poco originales, pero con la premisa de que si algo puede salir mal, saldrá mal. Ya sea perdiendo el dinero que se debe devolver a unos secuestradores en El gran Lebowski o perdiendo a tus propios hijos en Arizona Baby. Los Coen son capaces de hacernos ver como héroes a personajes que realmente tienen poco de heroes, asi también destacar la creación de personajes estranboticos en todas sus películas. No menos importante es su cuidada dirección artística así como su fotografía que alcanza la cumbre del preciosismo estético con El hombre que nunca estuvo allí.

P.D Aqui os dejo el link para ver los dos trailers de lo ultimo de los Coen: http://www.blogdecine.com/trailers/true-grit-trailer.

Flash Fall

Os dejo este corto en el que espero haber mejorado algo en la técnica y la estructura del guión. Espero que os guste.

300

La historia del rey Leonidas y los 300 espartanos que combatieron hasta la muerte en el angosto paso de las Termo pilas a un ejercito de aproximadamente un millón de persas durante las guerras de la Antigüedad entre griegos y persas. Fue retratada con una poderosa estética por Frank Miller en el comic 300.

Unos años mas tarde cuando se estaba preparando la adaptacion cinematográfica de 300 los productores eligieron como director a un joven Zack Snyder que tan solo habia dirigido un pelicula Amanecer de los muertos, un remake del clásico de zombis de George A. Romero. Snyder siendo un director con escasa experiencia en cine creo un universo propio haciendo que el comic y el cine se uniesen creando un bestia perfecta con un estilo y estética propia sellos de la casa Snyder.

Las escenas de acción de 300 demuestran la presencia tras las cámaras de un verdadero autor del cine de acción moderno. Su gusto por la mezcla de cámara rápida y lenta en los combates, por ejemplo cuando los persas son atravesados con un rápido movimiento de lanza, la cámara se ralentiza viendo como la sangre es limpiada por el movimiento de la lanza.

La música de rock empleada en las secuencias de acción nos permite introducirnos en las secuencias de manera que podemos emocionarnos con las secuencias de batalla de una manera que pocos films de acción consiguen.

300 no solo cuenta con unos efectos especiales magníficos y con un manejo de la iluminación impactante. También posee unos diálogos únicos y como telón de fondo la lucha por la libertad frente a la tiranía y la opresión.

El Orfanato

El Orfanato es probablemente una de las mejores películas españolas de los últimos años, yo diría que también es una de las mejores películas de terror jamás hechas.

La película retrata la historia de Laura una mujer que decide regresar con su marido y su hijo Simón al orfanato donde se crió con el objetivo de fundar una residencia para niños discapacitados. Sin embargo extraños sucesos relacionados con los amigos imaginarios de Simón comienzan a torcer los planes de Laura, hasta que este desaparece. Para descubrir donde esta su hijo Laura deberá descubrir lo que sucedió en ese orfanato hace veinte años y que fue de sus amigos huérfanos.

J.A. Bayona y su equipo técnico debutaron con esta película de genero, siendo la mas taquillera de 2007. Bayona nos sumerge en el universo de El orfanato con una estética clásica influenciada por el Polanski de Repulsión. El orfanato en el que sucede la acción se convierte en un personaje mas mediante el uso de inquietantes planos de las habitaciones y una elegante fotografía de la mano de Oscar Faura. El magistral guión escrito por Sergio G. Sánchez, es capaz de hacernos sentir pavor a la vez que conmovernos con la historia de una mujer que solo quiere recuperar a su hijo. El trabajo interpretativo de Belén Rueda es magistral por la manera en que nos transmite las emociones de Laura y por como podemos realizar el mismo viaje de la protagonista compartiendo sus dudas y sentimientos.

Contamos también con una banda sonora magistral compuesta por el maestro Fernando Velasco para guiarnos por el particular universo de El Orfanato. El movimiento de la cámara en esta película es elegante y fluido, con guiños a Brian De Palma y a Hichtcock. Bayona de muestra pulso y genialidad en su debut cinematográfico.
Y es que El Orfanato es puro cine.

Ana Sullivan y El pequeño salvaje

El milagro de Ana Sullivan de Arthur Penn y El pequeño salvaje de Truffaut son películas que hablan de una situación parecida aunque muy distintas en su planteamiento. Las dos películas tratan de el intento de introducir a una persona incapaz de comprender que hay un mundo, entorno social y unas normas de conducta mas halla de el mismo.

El pequeño salvaje de Truffaut nos narra la historia de un Doctor (Francois Truffaut) que trata educar a un niño salvaje de trece años criado en el bosque. Comienza a intentar enseñarle a hablar y a hacerle comprender las normas de conducta y los modales. Básicamente a reeducarlo desde cero. Pero finalmente se da cuenta de que el entorno en el que se ha criado el niño, puede mas que sus intentos por enséñale a ser una persona normal consciente de las normas que rigen la sociedad.

El milagro de Ana Sullivan trata la historia de una familia en el sur de Estados Unidos cuya hija (Helen) nació ciega, sorda y muda. Lo que hace que sea incapaz de comprender que mas haya de sus instintos básicos hay todo un mundo frente a ella.
La familia incapaz de educarla correctamente deciden llamar a una institutriz (Ana) para que trate de enseñarla. En el proceso Ana se da cuenta de que aprecia a Helen y desea enséñale que hay todo un mundo esperándola, pero los padres solo se conforman con que la niña sea dócil y se comporte.

En mi opinión, aunque ambas películas están basadas en hechos reales. El pequeño salvaje nos guía por la historia con una voz en off y tal vez Truffaut al venir de la Nouvelle vauge desea mostrar al espectador la realidad como si realmente estuviese filmando un experimento científico. Por el contrario El milagro de Ana Sullivan puede calificarse de película sobreactuada, con un compendio de clichés de las películas Hollywoodienses. Con la utilización de grandes bandas sonaran con la absurda intención de conmover al publico en una historia predecible y repetitiva. Puede que esta utilización tan torpe de los recursos cinematográficos se deba a la formacion teatral de el director Arthur Penn (fallecido recientemente).

Todos dicen I love you

Los musicales clásicos del cine americano son esa clase de películas que vemos con una sonrisa y en mi caso cuando termino de ver películas como Cantando bajo la lluvia no puedo decir otra cosa salvo que grande es el cine. Sin duda este es el espíritu de Todos dicen I love you. ¿Y quien mejor que Woody Allen para hacer un homenaje al espíritu de este estilo de cine? Scorssese lo intento con New York, New York, pero el resultado es bastante decepcionante. Sin embargo con el estilo Allen de comedia romántica inteligente y optimista, consigue crear unos números musicales que encajan a la perfección.

La pelicula trata la historia de una familia entre los que se encuentra una pareja a punto de casarse (Edward Norton y Drew Barrimore), el padre de familia que vive en Europa (Allen) y su hija capaz de estar apunto de casarse con un italiano (al que solo conoce desde hace seis meses), y dos horas mas tarde estar en el aeropuerto y asegurar que el gran amor de su vida es un universitario que ha conocido allí. En este cuadro de personajes Allen nos introduce en su comedia anual, con enredos de parejas y nuevas conquistas.

También observamos otro tema recurrente en el cine de Allen, el amor un hombre mayor por una mujer mas joven. En este caso Allen y Julia Roberts a la que conoce en Venecia.

Una de las mejores escenas de la película sucede durante la compra del anillo de compromiso por parte de Norton, en la que se introduce un estrafalario numero musical y mientras todos bailan como profesionales, Norton extrañado por la situación trata de escapar del baile. Por lo que nos evita el bochornoso numero de actor que trata de hacerse el bailarín. Sin embargo esto no significa que Norton no este perfecto en su papel como siempre hace.

Allen demuestra cambien su capacidad como director de actores al guiarnos con esos planos secuencia por la escena, que nos permiten centrarnos en el gran trabajo actoral.
Es también perfecta la interpretación que realiza Tim Roth de un expresidiario, el cual enamora a Drew Barrimore para mas tarde dejarla en la cuneta mientras escapa de la policía.

En resumen, espero que Allen continué haciendo sus brillantes, optimistas e inteligentes comedias sobre el amor por muchos años.

Buried (Enterrado)

Acabo de ver Buried, según creo la pelicula española con mas copias vendidas en todo el mundo (alrededor de 4000). Es interesante la sensación mientras ves una pelicula y piensas que se convertirá esta en una obra maestra. En mi opinión Buried lo consigue y con buena nota, nos demuestra que para hacer películas de calidad a la par que entretenidas no se necesitan grandes escenarios y efectos especiales. Basta con una buena historia y en este caso 7 modelos diferentes de ataúdes para realizar los travelling y planos imposibles que suceden dentro del ataúd.

La película narra la historia de Paul Conroy (Ryan Reynolds) un transportista de camiones en Irak que es secuestrado y se despierta enterrado en un ataúd bajo tierra, en esta situación Paul deberá sobrevivir encontrando consigo en el ataúd tan solo de un móvil, una linterna y un zippo. La película comienza con la pantalla en negro y solo oímos la respiración de Paul, desde aquí comenzamos a empatizar con el protagonista y a contemplar sus desesperados intentos por contactar con alguien que pueda ayudarle a través del teléfono móvil.

A pesar de que la película se desarrolle en Irak no me transmite la sensación de crítica política hacia la guerra, aunque refleje la intrincada burocracia del sistema no pretende aleccionarnos tan solo identificarnos con Paul y pensar que haríamos nosotros en su lugar.

El director Rodrigo Cortes nos introduce en una película experimental a la altura del Hitchcock de Náufragos (pelicula que se desarrolla en una barca todo el tiempo) y La soga (rodada en un plano secuencia). Son muy meritorios los planos imposibles dentro del ataúd y la profundidad que es capaz de crear sin salir de el. Y lo que tiene aún mas merito, es capaz de contarnos la historia correctamente y sin momentos aburridos en la narración sin ayudarse flashbacks para sacarnos del ataúd. También destacar la labor del brillante director de fotografía Eduard Grau que ya demostró su valía hace un año con la película de Tom Ford `A Single Man´, me encanta como es capaz de hacer un iluminar el ataúd valiéndose tan solo de el zippo, el móvil, la linterna y aun así ser capaz de contar una historia mediante la luz.

Finalmente debo decir que me sorprende que ningún director se hubiese atrevido a realizar una película de este tono. Solo puedo encontrar su referente en Tarantino cuando en Kill Bill Vol. 2 Uma Thurman esta enterrada viva en el cementerio, pero solo son unos minutos y se vale de un flash back para sacarnos de ahí. También de Tarantino se me ocurre el capitulo que escribió y dirigió para CSI: Las Vegas llamado Grave Danger. Pero nadie se había atrevido a hacerlo como Rodrigo Cortes. Supongo que Hitchcock estaría orgulloso de su fiel discípulo.

Elisa k

Esta película catalana acaba de recibir muy merecidamente el premio especial del jurado en el festival de cine de San Sebastián. Aún así como es normal la película apenas se a distribuido en Madrid, solo se encuentra en cartel en el cine Renoir de Plaza de España(una lastima).

La película dirigida entre Jordi Cadena y Judith Colell, adapta el relato de “Elisa Kiseljak” de Lolita Bosch. Aquí se retrata la historia de Elisa, una niña que es violada por un amigo de su padre mientras este dormía. Elisa borra de su memoria ese recuerdo pero dentro de unos años cuando este en la universidad recordara ese suceso y explotara de rabia al no haber podido expresar sus emociones hasta ese momento.

La primera parte rodada en blanco y negro, nos muestra la infancia de Elisa contada por una voz en off que nos adelanta a los acontecimientos, como cuando la voz dice: `El padre de Elisa se duerme en el sofá, unos minutos más tarde la Elisa será violada. En esta primera parte vemos una puesta en escena más clásica, más contenida por lo que observamos la situación con cierta distancia al fin y al cabo así es como se encuentra Elisa en estos momentos no sabe que pensar, es una niña y ha borrado de su memoria lo sucedido.

En la segunda parte rodada en color Elisa ya ha crecido y vemos que lleva una vida normal, pero sabemos que aunque no recuerde lo sucedido algo nos dice que no lleva una vida tranquila. Hasta que un día en su casa bebiendo una taza de café estalla de rabia al recordarlo todo. En la escena final Elisa le cuenta a su padre lo sucedido y contemplamos su conversación a través de el ventanal de la cafetería viendo el reflejo de los coches pasar. Mientras Elisa ve como su padre llora al enterarse del suceso recuerda una charla que les dio su profesor del colegio y le pregunta si alguna vez piensa en hombres valientes como Martin Luther King, al oír esto el padre llora recordando que el no fue valiente al no haber evitado lo sucedido.

Si que debo reprocharle a la película, el que Elisa recuerde lo sucedido sin ningún detonante previo que justifique la explosión emocional.

La quimera del oro

Esta pelicula de 1925, narra la historia de las migraciones de gran numero de personas a las montañas de Alaska con la esperanza de hallar fortuna con la extracción de oro en ellas.

Chaplin nos cuenta esta historia en clave de humor, pero siempre consigue no dejarnos indiferentes y que no nos parezca una comedia superficial. Chaplin interpreta a un solitario buscador de oro que en medio de una tormenta busca refugio en la casa de un asesino fugitivo, este tratara de deshacerse del vagabundo (Chaplin) pero la entrada en acción de un gigantón hará que entre ambos consigan echar al fugitivo y quedarse con la casa. En una visita al pueblo Chaplin conoce a una mujer de la que se enamora. Entre los problemas que estos dos buscadores de oro tendrán que superar están las tormentas, en una de ellas la casa se queda en el borde de un acantilado y tendrán que luchar por equilibrar la casa con su peso para salir de ella. Todo esto contado a través del genial uso de cámara rápida, tan característico de Chaplin.

Otras de mis escenas favoritas es cuando cegado por el hambre comienza a verlo como un pollo y a tratar cazarlo y cuando comienza a comer los zapatos como pescado y los cordones como espaguetis. Si que hay una cosa mala en la pelicula y es la posterior narración sonora del Chaplin que decidió incluir en 1942. Creo que esto te distrae de la pelicula y te cuesta disfrutarla tal como fue concebida.

Fahrenheit 451

Supongo que nadie podía esperar que aquel joven conflictivo salido del reformatorio, conseguiría convertirse en un cineasta llamado Francois Truffaut. Porque esa es la mejor manera para definirlo, un verdadero cineasta capaz de tocar gran cantidad de géneros y estilos.

Eso es precisamente lo que demuestra al adaptar la novela Fahrenheit 451 de Ray Bradbury. En la pelicula Truffaut refleja un futuro no muy lejano, en el que la lectura esta prohibida y los bomberos en lugar de apagar incendios, su deber es el de quemar los libros, porque dicen que vuelven a la gente antisocial y que la gente ya tiene suficientes problemas como para además tener que preocuparse por los de la ficción. Este panorama lo contemplamos a través de los ojos de Montag un bombero que clandestinamente comienza a guardar los libros que debe quemar para poder leerlos y así emprender la lucha contra la ignorancia. La pelicula también es una critica contra los peligros de vivir en una sociedad completamente visual y a los sistemas totalitarios, un ejemplo sucede cuando el jefe de bomberos le pregunta a Montag: ¿Que hace en su tiempo libre? Montag responde: Cortar el césped. El jefe le pregunta que haria si el gobierno lo prohibiese y el responde: Entonces lo veré crecer.

Esta muy bien planteada la situación cuando Montag y su compañera (profesora de escuela) caminan por los pasillos de la escuela, y mientras recorremos el pasillo a través de un travelling oímos las voces de los niños recitando de memoria tablas de multiplicar de números muy elevados, esto nos da una pista sobre la completa falta de formacion humanista en la sociedad y la potenciación de una educación fría y calculadora.
Debo comentar el brillante inicio de unos títulos de crédito hablados y no escritos para hacernos comprender que la lectura en esa sociedad esta terminantemente prohibida.

Me encanta el cambio de sentido, cuando un niño ve un camión de bomberos y dice: Mira mama los bomberos, parece que va a ver un incendio.

Se7en

Con Seven David Fincher creo una de las mejores obras del thriller actual, que recuerda al mejor cine policiaco clásico. Como dijo Morggan Freeman(protagonista del film) nunca he esta tan cerca de una película perfecta. No se equivoca, puesto que seven es una película fiel a su estética, impactante visualmente y sugestiva. Con un final inquietante y inesperado.

La película trata de forma lineal la historia de dos detectives el veterano Somerset (Morgan Freeman) y el recién llegado David Mills (Brad Pitt), que deben resolver los atroces crímenes cometidos por John Doe(Interpretado por el polifacético Kevin Spacey) que mata a sus victimas según los siete pecados capitales (Gula, Avaricia, Pereza, Lujuria, Soberbia, Envidia, Ira). La película mantiene en tensión constantemente y nos permite conocer al asesino sin verlo. La presencia constante de la lluvia nos introduce en la atmósfera de una ciudad lúgubre y triste, junto con una fotografía negra e inquietante. Mi escena favorita es cuando Somerset esta en la biblioteca pública leyendo La Divina Comedia de Dante (una de las inspiracopnes de John Doe) al ritmo de la Suite: Air de J.S Bach, junto con la apertura inicial entre los cuadernos de John Doe de los titulos de credito con la música de Howard Shore.

En definitiva creo que Seven es una de las pocas películas que se sumaron a la moda de películas sobre asesinos en serie iniciada por El silencio de los corderos, y que consigue un resultado, original e inteligente.

Sopa de ganso (Mis recuerdos)

Esta es una de esas películas que no he descubierto con el tiempo, sino que me crié viéndola, recuerdo que la cinta VHS de Sopa de ganso que teníamos en casa, con los años se vía con dificultad de tanto verla. Uno de los primeros recuerdos que tengo es aquella pantalla en blanco y negro, y en su interior unos gansos nadando en una cazuela con agua hirviendo. Con esta absurda imagen nos introducimos en el humor absurdo de los hermanos Marx (con especial mención a mi admirado Groucho). La pelicula tiene uno de esos guiones absurdos y sin sentido que solo podemos encontrar en las películas de estos antiguos actores de vodevil, y tal vez en los guiones del Woody Allen de primera época. Un país en crisis (Freedonia) decide pedir prestado dinero a una rica viuda, pero con la condición de que nombren presidente a Rufus T. Firefly el carnavalesco personaje interpretado por Groucho Marx. Siempre me ha fascinado el humor del absurdo empleado por los Marx en todas sus películas, en una escena Groucho saca una baraja, que ofrece a Margarte Dummont y le dice coja una carta, ella pregunta: ¿Y que hago con ella? a lo que Groucho responde: Puede quedársela, aun me quedan 51. Esta pelicula, es uno de esos clásicos que nunca te cansas de ver por muchas veces que la veas, y si alguien no la visto, le aconsejo que deje de leer este articulo y vaya a comprar el DVD inmediatamente, para verla y disfrutarla tanto como yo lo he hecho.

El sucesor de Kubrick...

¿Quien podría igualar en los últimos años al gran genio cinematográfico de Nueva York en los últimos tiempos? La respuesta es Christopher Nolan un londinense de apenas cuarenta años que hace tan solo dos veranos arraso en las taquillas de medio mundo con El caballero oscuro. Este joven director no solo a hecho ganar a los estudios mas de 1100 millones de dólares (record con el cual tan solo Spielberg y Cameron pueden competir). Con la nueva saga de Batman, devolviendo al superhéroe a lo que es un personaje atormentado y oscuro. Recientemente ha estrenado Origen (Inception) película que trata en clave de thriller-acción la estructura de los sueños, a mi parecer no es solo la mejor película del año sino que marcara nuestra manera de ver el cine, creo que lo mejor de Origen es que nos ofrece una película rebosante de inspiración y de ideas en un verana plagado remakes ochentenos (El equipo A, Pesadilla en Elm Street y basuras varias).

Nolan en el trayecto de su filmografía (siempre comercial y entretenida) ha demostrado su gusto por la narrativa fragmentada. Empezando por Following (aquí mantiene tres ilos narrativos). En esta película de bajo presupuesto (6000$) contaba la historia de un aspirante a escritor que sigue a desconocidos por las calles. Y Memento en la que cuenta la historia de Leonard un hombre sin memoria reciente que trata de averiguar quien asesino a su esposa, teniendo tan solo 15 minutos de memoria desde el asesinato de esta.

El denominador común en su filmografía, a mi entender es que son películas capaces de dejarse entender por el gran publico (a pesar de su gran complejidad narrativa) y el hecho de que nunca te dejan indiferente.

Tres días con la familia

El otro día tuve la oportunidad de ver esta película que recomiendo encarecidamente. La película habla sobre la muerte, las distintas generaciones de una familia de la burguesía catalana, y como se relacionan entre ellas. Creo el personaje central de la hija Lea, no es un personaje que caiga especialmente bien pero sin embargo la comprendemos, porque en ese tipo de situaciones tampoco somos muy distinta a ella. La película me ha gustado mucho, porque es capaz de conquistarte con su sencillez tratando un tema tan universal como es la familia y todos podemos encontrar algo de nosotros o de nuestras experiencias en esta pequeña pero genial opera prima. Ese el secreto que su directora Mar Coll ha sabido encontrar. En cierto sentido me ha dado lastima verla por que es una de esas películas que te gusta verlas por primera vez. Me encanta la distancia de la cámara en esta película y como trata el tema con gran objetividad. Se nota a su vez un depurado trabajo tanto de fotografía como de dirección de arte. Y en cuanto a mis escenas favorita yo diría que es la escena final en la que entierran al abuelo fallecido, sin música mientras aparecen los créditos finales. Recalcando aun mas la ironía de la situación y la otra es la escena en que las mujeres de los hijos se van a un bar a celebrar la muerte del abuelo.

Steven Spielberg

Querría empezar un conjunto de artículos sobre directores, para hacer algo distinto en el blog. Creo que sería interesante empezar por el director que hasta a mis amigos mas cinéfilos admiradores de Bergman y Lars von Trier (con toda mi admiración a estos cineastas) aunque comercial es un gran cineasta.

¿Porque admiro tanto a Spielberg? Me parece un cineasta en el perfecto equilibrio entre lo comercial y lo personal. Capaz de llegar a todo tipo de `público y de conmovernos creando historias comerciales, pero siempre con un poderoso mensaje. En Minority Report el control del gobierno (inspirado por Orwell en su novela 1984). En IA. Inteligencia Artificial, consiguió transmitir el mismo mensaje del cuento Pinocho, de una manera emocionante.

Hemos visto a Spielberg crecer en muchos tipos de cine, desde su opera prima para la televisión El diablo sobre ruedas, hasta en mi opinión su mejor película La lista de Schindler, aquí Spielberg pone todas sus habilidades como director, para narrar la historia de Oskar Schindler. Espero que Spielberg siga dando esas películas que pasan a la historia y siempre nos hacen soñar.

Taxi Driver

Taxi Driver es una película que trata de la soledad de un hombre en un lugar repleto gente. Este taxista neoyorkino interpretado por Robert De Niro (nominado al Oscar),
es un psicópata, pero se ve asi mismo como un héroe. Con este antihéroe recorremos con el las calles de los barrios bajos de Nueva York encontrándonos con personajes de toda clase, sin alejarnos de el punto de vista de la mente de Travis Bickle. Esta película esta muy influida por un clásico de John Ford (Centauros del desierto). El parecido esta en que ambos tratan de salvar a jóvenes que a pesar de que ellos no quieran verlo, debido a que son personajes solitarios que tratan de imponer su visión de `tipos duros´. En Taxi Driver Robert De Niro con una prostituta interpretada por una jovencísima Jodi Foster y John Wayne en Centauros del desierto con su sobrina secuestrada por los indios.

Martin Scorssese realiza un gran trabajo de dirección con el guión de Paul Schrader, siendo este trabajo el que le daría a conocerse al mundo siendo su cuarto trabajo tras terminar sus estudios de cine en la New York University. Finalmente creo que esta película es capaz de conectar con la gente y gustar a todo el mundo debido a que podemos podemos identificarnos de una u otra manera. Recomiendo verla a todo el mundo.

Revolucionary Road

Esta película del siempre brillante Sam Mendes, esta basada en la novela homónima de Richard Yates. Paso quizás desapercibida en los Oscar de 2009, pero creo se merece un reconocimiento especial.

La película narra la historia de un joven matrimonio americano en los años 50, Frank y April. Que deciden trasladarse a un barrio residencial americano típico de gente corriente(Revolucionary Road). Con el tiempo se dan cuenta de que se están convirtiendo en algo que siempre han evitado ser, gente corriente. April le propone a Frank irse a vivir a Paris, le dice que así el tendrá tiempo de encontrar su verdadera vocación mientras ella trabaja de secretaria en Paris. Deciden hacerlo, lo comentan enseguida a todos sus amigos y a todos les parece una locura excepto al esquizofrénico interpretado por Michael Shanoon, les dice que le parece una decisión valiente y un gran paso a su felicidad. Pero la mejora de las condiciones del trabajo de Frank y el nuevo embarazo de April, hacen que todo cambie.

Me parece que la película trata sobre un tema omnipresente en la sociedad. La falta de valor para atreverse a hacer lo que uno mas desea, para quedarse en su cubículo teniendo sueños y deseos impuestos por la sociedad, deseos que no tienen sentido para uno mismo.

Mi segundo cortometraje... Corazon delator.

Mi segundo cortometraje con el que espero haber mejorado la tecnica... Creo que capaz de dejarse entender con las imagenes. Es un conjunto de todas mis influencias. Siempre he creido que lo mejor de este corto son las conversaciones (como no hay). Un saludo.

Road to Perdition

Esta obra maestra de Sam Mendes, inspirada en el genial cómic de Max Collins. Es un poema visual en todos los sentidos. Tanto de dirección por parte del director ingles de teatro Sam Mendes, la fotografía de Conrad L. Hall con ese aire al clásico cine negro con una iluminación sobria y contenida(Hall gano el Oscar a la mejor fotografía por esa película en 2003). La dirección de Sam Mendes realmente envidiable, como la decisión de no mostrar nunca a Mike Sullivan(Tom Hanks) y a su hijo Michael en el mismo plano, hasta que Mike de mantener la relación distante y fría, así como la nieve que es un reflejo de la distancia de Mike hacia su hijo en la primera parte de la película. Paul Newman esta genial en esta que seria su ultima interpretación. Para mi la gran escena de la película es cuando Mike se dispone a matar al Sr. Rooney, que de alguna manera había sido un padre para el pero debe matarlo debido al asesinato de su familia por parte del hijo de Rooney. La escena es perfecta, Mike en la calle lluviosa por la noche, cubierto en la oscuridad como un fantasma, los guardaespaldas de Rooney acompañándolo al coche(sin sonido, solo oímos la música de Thomas Newman), Mike empieza a disparar contra los guardaespaldas, solo vemos los destellos de su Thomson en la niebla. Rooney se queda quieto junto a su coche(sabe que va a morir) y cuando Tom Hanks se le acerca finalmente le dice `me alegra de que seas tu. Entonces Mike llorando dispara.
Es puro cine.

Ocho y medio

Acabo de descubrir esta joya del cine recientemente. Me parece una película perfecta. Cuando veo ocho y medio creo que es todo lo que me gustaría expresar en cine el alma humana en el mas puro estilo de la palabra. Es una película que trata sobre la presión que siente un director de cine sin inspiración (Guido) por parte de el mundo en general, su productor, sus amantes, mujer y sus amigos que le preguntan si su siguiente película será buena como sus primeras obras o algo superficial y sin interés. A la media hora de empezar a ver la película, te dejas de preguntar que esta en la mente de Guido y que es real, no puedes adelantar cual será el siguiente paso.

Me gustaría destacar dos secuencias la escena en el balneario cerca de Roma cuando va a hablar con el obispo, entonces se le aparecen todos sus conocidos padre, productor, amigos pidiéndole favores para el obispo y aconsejándole lo que tiene que hacer. También la escena en el harén con todas las mujeres de su vida, con las que se ha acostado y con las que ha querido acostarse, me encanta cuando debe sofocar la rebelión de las mujeres con su látigo al ritmo de las Valquirias de Wagner.

En mi opinión Ocho y medio es la mejor película de Fellini. Es junto con Amardcord su película mas autobiográfica y personal. Me encanta Marcello Mastroianni en el papel de Guido, que obviamente es el propio Fellini. Es curioso que si Guido Anselmi es un director carente de toda inspiración Fellini esta desbordante de originalidad esta obra cumbre de su carrera.

Presentacion.

Estimados cinefilo:

He creado este blog con el objetivo de difundir piezas audiovisuales. Realizar criticas de peliculas, tanto de estrenos como de otras peliculas que nos gustan y directores a los que admiramos, desde Truffaut hasta Tarantino. En resumidas cuentas, queria dirigir este blog a cinefilos e interesados en el mundo del cine. Espero que os guste. Buenas noches y buena suerte.

Os dejo mi primer corto.

Un corto muy amateur y con un montaje un poco forzado, aunque nace del deseo de homenajear a uno de los maestros mas grandes del cine mudo.